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• Música experimental: definición y rasgos distintivos

Sara Llopis

La música experimental es un género que rompe con las convenciones musicales tradicionales, desafiando las estructuras y normas establecidas para crear sonidos innovadores y fuera de lo común. Se caracteriza por su enfoque en la exploración sonora, la improvisación y la creatividad sin límites, lo que la convierte en un campo fértil para la experimentación y la innovación. Este género desafía las expectativas del público y los invita a adentrarse en un mundo de sonidos inexplorados y emociones desconocidas.

En la música experimental, los artistas buscan expandir los límites de lo que se considera música, utilizando una amplia variedad de técnicas y recursos para crear composiciones únicas y originales. Desde la manipulación de grabaciones de campo hasta el uso de instrumentos no convencionales, la música experimental desafía las ideas preconcebidas sobre lo que puede ser la música y abre nuevas posibilidades para la expresión artística.

Orígenes de la música experimental

Características de la música experimental, música electrónica experimental, música concreta, influencia de la música experimental en la cultura contemporánea, el futuro de la música experimental.

La música experimental tiene sus raíces en el siglo XX, cuando varios compositores comenzaron a cuestionar las convenciones musicales establecidas y a buscar nuevas formas de expresión. Uno de los movimientos más influyentes en el desarrollo de la música experimental fue la música aleatoria, que abogaba por la eliminación de la estructura tradicional de la música en favor de la improvisación y el azar.

A lo largo del siglo XX, la música experimental se fue diversificando y evolucionando, incorporando influencias de la música electrónica, el jazz, la música concreta y otras corrientes vanguardistas. En la actualidad, la música experimental sigue siendo un campo vibrante y en constante evolución, con artistas de todo el mundo explorando nuevas ideas y sonidos.

La música experimental se caracteriza por su enfoque en la exploración y la innovación, lo que se traduce en una amplia variedad de estilos y enfoques. Algunas de las características más comunes de la música experimental incluyen:

• Uso de tecnologías y técnicas poco convencionales.
• Exploración de sonidos inusuales y texturas sonoras.
• Énfasis en la improvisación y la espontaneidad.
• Mezcla de géneros y estilos musicales.
• Enfoque en la textura y la atmósfera sonora.

Estas características hacen que la música experimental sea un género fascinante y en constante evolución, que desafía las normas establecidas y abre nuevas posibilidades para la creatividad y la expresión artística.

Principales corrientes de la música experimental

En el vasto mundo de la música experimental, existen numerosas corrientes y subgéneros que reflejan la diversidad y la creatividad de este campo. Algunas de las corrientes más destacadas incluyen:

La música electrónica experimental se enfoca en la exploración de sonidos generados por medios electrónicos, como sintetizadores, computadoras y circuitos electrónicos. Este género abarca una amplia variedad de estilos, desde la música ambiental hasta la música glitch y la música drone, y ha sido fundamental en la evolución de la música experimental en general.

Artistas como Brian Eno, Aphex Twin y Tangerine Dream han sido figuras clave en el desarrollo de la música electrónica experimental, desafiando las normas establecidas y creando paisajes sonoros innovadores y emocionantes.

La música concreta es un género de música experimental que se centra en el uso de grabaciones de campo y sonidos pregrabados para crear composiciones únicas y originales. Este enfoque en la manipulación y la reinterpretación de sonidos cotidianos ha dado lugar a algunas de las obras más innovadoras en la historia de la música experimental.

Compositores como Pierre Schaeffer y Pierre Henry fueron pioneros en el desarrollo de la música concreta, experimentando con técnicas de montaje y collage sonoro para crear obras que desafían las convenciones musicales tradicionales.

El free jazz es una forma de jazz experimental que se caracteriza por su énfasis en la improvisación colectiva y la exploración de nuevas formas expresivas. Surgido en la década de 1950, el free jazz rompió con las estructuras rígidas del jazz tradicional y abrió nuevas posibilidades para la creatividad musical.

Figuras como Ornette Coleman, John Coltrane y Sun Ra fueron pioneros en el desarrollo del free jazz, creando composiciones audaces y emocionantes que desafiaban las expectativas del público y redefinían los límites del género.

El post-rock es un género de música experimental que incorpora elementos del rock, el jazz, la música electrónica y otros estilos para crear paisajes sonoros expansivos y emotivos. Caracterizado por su enfoque en la textura y la atmósfera sonora, el post-rock ha sido fundamental en la evolución de la música experimental en las últimas décadas.

Bandas como Godspeed You! Black Emperor, Mogwai y Explosions in the Sky han sido figuras clave en el desarrollo del post-rock, creando composiciones épicas y emotivas que desafían las convenciones del rock tradicional y abren nuevas posibilidades para la expresión musical.

La música experimental ha tenido una profunda influencia en la cultura contemporánea, inspirando a artistas de diferentes disciplinas a explorar nuevas ideas y enfoques creativos. Desde la música hasta la danza, el cine y la instalación artística, la música experimental ha dejado su huella en una amplia variedad de campos creativos.

Artistas como David Lynch, Björk y Radiohead han sido influenciados por la música experimental en sus obras, incorporando elementos de improvisación, textura y exploración sonora en sus composiciones y creaciones visuales. Esta influencia se extiende también a la moda, la arquitectura y otras manifestaciones artísticas, creando un diálogo creativo y estimulante entre diferentes disciplinas.

En un mundo cada vez más interconectado y globalizado, la música experimental sigue siendo un campo fértil para la exploración y la innovación. Con la democratización de las herramientas de producción musical y la facilidad de acceso a nuevas tecnologías, los artistas tienen más oportunidades que nunca para experimentar con sonidos y crear obras originales y emocionantes.

El futuro de la música experimental es incierto pero emocionante, con nuevos talentos emergiendo en todo el mundo y desafiando las convenciones establecidas. A medida que la tecnología avanza y las fronteras entre los diferentes géneros y estilos se desdibujan, la música experimental continuará siendo un campo vibrante y en constante evolución, que nos invita a explorar lo desconocido y a descubrir nuevas formas de expresión artística.

La música experimental es un género fascinante y en constante evolución que desafía las convenciones musicales tradicionales y abre nuevas posibilidades para la creatividad y la expresión artística. Con sus raíces en el siglo XX y su influencia en la cultura contemporánea, la música experimental sigue siendo un campo vibrante y diverso, que invita a los oyentes a adentrarse en un mundo de sonidos innovadores y fuera de lo común.

Ya sea a través de la música electrónica experimental, la música concreta, el free jazz o el post-rock, la música experimental nos desafía a escuchar de manera diferente y a explorar nuevas formas de experimentación sonora. Con su énfasis en la improvisación, la exploración y la creatividad sin límites, la música experimental seguirá inspirando a generaciones futuras de artistas a seguir empujando los límites de lo que se considera música y a crear obras que desafíen nuestras ideas preconcebidas sobre el arte sonoro.

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Música experimental: definición, características y obras de los mejores músicos experimentales

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La música experimental entró en la escena musical con nuevos sonidos y ritmos que evadieron los convencionalismos gracias al trabajo de músicos experimentales como Charles Ives, John Cage y Phillip Glass.

En ocasiones es llamada «música vanguardista», pero la música experimental es un género que, desde el inicio de su movimiento, se ha enfocado en separarse de cualquier forma de música que se haya conocido y busca descubrir, a través de los silencios y la innovación, nuevos caminos en el ámbito musical. A continuación, en esta entrada hacemos un repaso por el origen, establecimiento y los músicos experimentales más destacados del género.

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Índice de contenido

¿Qué es la música experimental?

La definición de música experimental está anclada a la presencia de los sonidos con un estilo alternativo, vanguardista, excéntrico, individualista y audaz. Asimismo, el nombre de este género es una especie de encasillamiento o etiqueta general para varios matices de la música contemporánea, como la música clásica, el jazz y, aunque suene extraño, también la música electrónica.

 Además, este ritmo alterno que genera la música alterna puede ser descrito como un cúmulo de sonidos, técnicas, elementos de composición e interpretaciones no tradicionales que se convierten en un adjetivo de música radical que arropa la música clásica experimental, pero también hace lo propio con otras de sus variantes como la música experimental instrumental y la música experimental electrónica. En síntesis, la música experimental recibió ese nombre para englobar un sonido o tipo de música que se hace sin un resultado predeterminado.

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La música experimental empezó a desarrollarse a mediados del siglo XX con miras a expandir el rango de sonidos que ya eran aceptados en la música, se alejó de todos los elementos estrictos de la teoría musical y de las instrucciones básicas para hacer distintos tipos de música que se desprendían de sonidos que se habían popularizado. Desde sus primeros pasos, en 1950 y 1960, hasta su declive en 1970, los músicos experimentales se encargaron de establecer una  tendencia creciente que cobró impulso e hizo que todos se preguntaran si realmente era música o, en casos extraordinarios, qué era la música en realidad. 

Entre esos años, en los que el auge de la música experimental se estaba sintiendo, quedó en evidencia la forma significativa de hacer y componer música que, de cierto modo, se hizo como una respuesta de rechazo a la modernidad de la posguerra. A su vez, el nombre de John Cage (hablaremos más adelante de él), brilló con su icónico y criticado 4′ 33», que es un sonido sordo de cuatro minutos y treinta y tres segundos de silencio para que cualquier instrumento haga su parte en ese vacío musical.

Entonces, la música experimental podía ser identificada por su gen conceptual que, en resumidas cuentas, se aleja determinantemente de las nociones convencionales de cualquier obra musical popular en aquella época. Este género se convirtió en sinónimo de alternativo y del minimalismo, y dejó que el significado e interpretación del tiempo, espacio, sonido quedara bajo la responsabilidad del artista y su inspiración.

Identidad dentro de la industria musical

En la industria musical, la música experimental se identifica fácilmente porque su esencia es sensible y exploratoria. Además, las composiciones varían radicalmente con respecto a las notas y sonidos conocidos, y también varía en la forma en la que se interpreta la música, la cual destaca por su indeterminación.  

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Es decir, esta forma de hacer música implica que el compositor añada elementos nuevos al azar que, por lo general, son impredecibles en lo que respecta a la composición o la ejecución de la pieza musical. Asimismo, este género alternativo puede estar entre los confines de los géneros híbridos como el droner, el post-black metal, la música ambient, el hip-hop (Dj Screw, por ejemplo) entre otras variedades de música alternativa/independiente y estilos dispares que incorporar en su estructura elementos poco ortodoxos y únicos. De hecho, las influencias de esta forma de sonidos llegaron a la música industrial de los 90. 

Desarrollo histórico de la música experimental

Para entender un poco más de qué va este sonido creado por los distintos artistas de música experimental, haremos un repaso por el desarrollo histórico del género. 

La influencia de Charles Ives

Los historiadores fijan el punto de nacimiento de  la música experimental a principios del siglo XX, donde el estadounidense Charles Ives (1874-1954) salió relucir como el compositor modernista que dio pie a que se sentaran las bases para la música experimental en el género clásico.

A decir verdad, Charles se afianzó como uno de los primeros compositores que comenzaron a experimentar sistemáticamente con la música, creando nuevas melodías y sonidos que representaron un cambio drástico en los patrones aceptados de ritmos, claves, armonías y notas. Además, el compositor clásico se enfocó en incorporar varios de los elementos de la música folclórica de Estados Unidos en sus composiciones experimentales, y esto fue algo que no se había visto en la música profesional. Aunque su nueva creación pasó desapercibida en aquel entonces, Ives lanzó Central Park in the Dark en 1906, y The Unanswered Question en 1908, una sinfonía que tiene arreglos con instrumentos no tradicionales.

La Escuela Experimental estadounidense y Fluxus

Seguidamente, la génesis de la música experimental tuvo su lugar en la Escuela Experimental estadounidense a principios del siglo XX, en Nueva York, exactamente en la década de 1950, cuando un grupo de pintores, poetas, músicos y bailarines se afincaron en el movimiento vanguardista e innovador de las artes mixtas, el surrealismo, la abstracción y la música experimental para crear un gremio nuevo en la nación entre los años 1950 y 1960.

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Algunos de los integrantes de ese gremio fueron músicos experimentales como John Cage y Earle Brown, quienes también formaron parte de Fluxus, una comunidad de artistas que entre 1960 y 1970 proyectaron el arte multidisciplinario a nivel experimental. Este movimiento anticomercial internacional ganó reconocimiento gracias a la presencia de estos artistas y otros como Yoko Ono, Al Hansen y Dick Higgins, pero no fue lo suficientemente fuerte como para consolidarse en el tiempo. 

La musique expérimentale de Schaeffer

Durante este período, el compositor e ingeniero francés Pierre Schaeffer también estaba haciendo sus experimentos y creaciones, así que comenzó a utilizar el término musique expérimentale (música experimental) para darle nombre y sentido a su trabajo, que se basó en aplicar las técnicas de composición no tradicionales. 

Schaeffer puso su mente y oído en la música electrónica y la musique concréte (música concreta) , un estilo de composición en el que los sonidos grabados se convertían en canciones hechas de la palabra hablada pasajes y grabaciones de campo, se combinaron con sintetizadores, y también fueron manipulados y doblados hasta formar una pieza musical.

Transetnicidad e improvisación

La extensión de la música experimental también se aplicó a la transetnicidad, una etiqueta que engloba distintos tipos de música que son atribuidos a los diferentes grupos étnicos del mundo. De hecho, el compositor estadounidense Henry Cowel (1897-1965) se dedicó a estudiar el mundo de la música más allá de la “hegemonía del canon musical occidental” y documentó y enseñó sobre la “música de los pueblos del mundo” entre los años 1931 y 1932.

Asimismo, el género de ritmo alterno recayó sobre las técnicas de improvisación libre (o música libre), que consisten en la creación de sonidos y piezas musicales sin el seguimiento de alguna regla en específico. En este tipo de música, los artistas se esfuerzan por proyectar sonidos alejados de referencias marcadas o populares. 

Características de la música experimental

Ahora bien, después de ese breve repaso histórico vamos a desglosar las características de la música experimental, este estilo musical que emplea varios instrumentos (algunos no musicales) y métodos de producción que se alejan de lo convencional. 

Indeterminación

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Además de la innovación y el minimalismo musical, una de las principales características de la música experimental o aleatoria es la indeterminación. En este género musical hace que la duración, el sonido y el estilo de interpretación de la composición sea un agente imprevisible e independiente, pero es elemento clave de la música experimental.

Improvisación 

Por otro lado, otra propiedad que aplicaron los músicos experimentales al género es el pensamiento fuera de la caja. Le dieron rienda suelta a su creatividad y se permitieron experimentar con los sonidos y las bases de otros géneros como jazz y el noise rock para crear piezas únicas.

Instrumentos variados

Con respecto a los instrumentos de la música experimental impulsada por la revolución digital, se puede decir que son tan únicos como variados, puesto que puede usar instrumentos tradicionales, pero no son tocados de formas no tradicionales; mientras que los instrumentos menos usuales son pernos, cubiertos, vegetales, electrodomésticos y artículos de oficina que pueden formar parte de los sonidos más peculiares de la música experimental.

Grupos y músicos experimentales

En esta entrada enlistaremos las bandas de música experimental y los solistas o músicos experimentales que han destacado a través de los años en el género alternativo.

Solitas de la música experimental

Entre los principales cantantes en solitario de la música experimental podemos encontrar los siguientes nombres:

Como dijimos al principio, John Cage (1912-1992), el maestro del silencio, fue uno de los impulsores de la alternativa/independiente, a pesar de que fue criticado y acusado de charlatán por su 4’33 que, básicamente, es una pieza sin sonido que invita a los oyentes a escuchar el entorno y el ambiente que se crea sin que los músicos toquen ni una sola nota musical en su presentación. Pero también lanzó otras piezas importantes como The City Wears a Slouch Hat (1942) y Three Dances (1945).

Pese a las críticas, Cage, quien se inspiró frecuentemente en la filosofía asiática es considerado por muchos como uno de los máximos influyentes de la música experimental, ya que hizo que el mundo se cuestionara qué es la música según los conceptos de cada quien. 

Terry Riley

Seguidamente, Terry Riley es otro de los integrantes de la lista de músicos experimentales que sobresalió por sus técnicas innovadoras. El compositor e intérprete de piezas como In C de 1964 y autor del álbum A Rainbow in Curved Air (1969) hizo que los sonidos de bucles y repetición formaran parte de las técnicas de composición más presentes en el experimentalismo.

De hecho, algunos aseguran que Riley fue uno de los precursores del trance y el “padre de la música moderna” por su proyecto del 69 que, tiempo después resurgió en sets ambientales y en la música industrial de los 90. Asimismo, algunos amantes del género consideran que su influencia ha quedado impregnada en la industria musical por su atemporalidad y magia para los sonidos repetitivos “apetecibles”.

La Monte Young

Por otro lado, La Monte Young aún es visto como una figura destacada en el minimalismo y el drone y, como un dato curioso, él influyó en las carreras de estudiantes y colaboradores como Terry Riley, Tony Conrad y John Cale the Velvet Underground, la popular banda estadounidense de rock experimental que se estableció a mitad de los años 60. La Monte Young, según Brian Eno es “el padre de todos nosotros” debido a su creatividad e ingenio para dar a luz piezas inolvidables de la música experimental. 

Una de las creaciones más famosas de Young es The Well-Tuned Piano, una improvisación de más de cinco horas que consta de un solo de piano que fue lanzada en 1964 como una pieza continua. Otro de sus trabajos más sobresalientes es Inside the Dream Syndicate, Volume I: Day of Niagara (1965).

Steve Reich 

El compositor estadounidense Steve Reich también considerado como una figura importante de la música experimental porque puso en el foco el uso de efectos como el looping, phasing y pulsating en la música minimalista y alternativa, y ese trabajo no se quedó en cuatro paredes o en su mente; la música que creó Reich influyó profundamente a toda la escena musical, desde el rock independiente, hasta el new age. 

Algunos de sus trabajos más destacados son Music For 18 Musicians (1978), Octet/Music For A Large Ensemble/Violin Phase (1980) y Tehillim (1982).

Philip Glass

Otro de los padres del minimalismo es Phillip Glass, el compositor estadounidense que lanzó en 1969 Music in Similar Motion, una partitura abierta que puede ser interpretada por cualquier tipo de instrumentos, y se basa en loops unidireccionales contrastados con texturas y timbres variados. Para Glass, esta pieza tiene gran sentido del drama que sobrepasa la línea original que se reactiva para completar el sonido. 

Entre otras obras maestras de Glass figuran Chappaqua (1966), Music With Changing Parts (1971) y Winstein On The Beach (1979).

Bandas de la música experimental

A continuación, enlistamos algunas de las bandas que forman parte de los músicos experimentales que se han visto influenciados por el género alternativo:

Akineton Retard

Por el lado de los grupos musicales experimentales, la influencia de los grandes nombres del género llegó a Chile, donde en 1994 se fundó Akinetón Retard, una banda de rock y jazz psicodélico y experimental que en 1999 lanzó su disco homónimo, un proyecto interesante que colinda entre lo experimental y lo progresivo, con un poco de base psicodélica y del rock in opposition. 

Además de su trabajo de 1999, Akinetón Retard también tiene otros proyectos relevantes como Akranania (2001), 21 canapé s (2003) y Cadencia Urmana (2006). 

Otra banda de música experimental, en el espectro de la electrónica es el dúo inglés formado en 1987 en Reino Unido por Rob Brown y Sean Booth.  A pesar de que su estilo ha sido encasillado como intelligence dance music (IDM), sus trabajos han incorporado distintos géneros y estilos que incluyen el techno, la música ambient, el EDM experimental y la música concreta.

Autechre, que es una banda que  utiliza muchos sintetizadores y cajas de ritmos digitales variados en su producción, tiene proyectos destacados como Tri repetae (1995), Confield (2001) y NTS Session 3 (2018).

Death Grips

Como hemos dicho, el hip-hop también es parte de la música experimental, es por ello que Death Grips, grupo formado en 2010 en Sacramento, California, es parte de esta lista. El grupo de Stefan Burnett (MC Ride), Zach Hill y Andy Morin opera bajo su propio sello, Third Worlds, pero logró firmar con Epic Records, una de las compañías discográficas más importantes de la industria.

Aunque en ocasiones se agarran del pop para sus creaciones, Death Grips tiene texturas ásperas, sus letras son sinónimo de anarquía y se vale de su influencia mediática en la Internet para seguir a flote. Entre sus trabajos más importantes podemos nombrar n-ggas on the moon (2014), Exmilitary (2011) y The Money Store (2012). 

Crystal Castles

Finalmente, añadimos a Crystal Castles el dúo candiense de música electrónica experimental que se formó en 2003 en Ontario, Canadá; el productor Ethan Kath y la vocalista Edith Frances son los integrantes del equipo que tiene un sonido melancólico muy al estilo lo-fi, pero que contrasta todo el drama con sus explosivos shows en vivo. Su álbum debut del mismo nombre, que lanzaron en 2008, recibió buenas críticas  y ha sido calificado como uno de los mejores proyectos electrónicos de Estados Unidos y del Reino Unido.

Crystal Castles, que ha experimentado con el synth-pop y ‎synth-punk‎, tiene otros trabajos importantes como Alice in Practice (2006), Crystal Castles II (2010) y III (2012). En este mismo orden de ideas, un artista que también se estableció en el sonido introspectivo y melancólico es el británico James Leyland Kirby, quien llevó a los oyentes a un lugar melancólico y oscuro con The Caretaker – Everywhere at the end of time.

Canciones emblemáticas de la música experimental

Para cerrar con el recorrido por los orígenes del género alternativo, en esta entrada enlistamos varios ejemplos de música experimental, que son algunas de las canciones más emblemáticas y más sonadas, que han tenido clara influencia o que representan en totalidad a la música experimental.

John Cage – The City Wears a Slouch Hat

Si se habla de drama, The City Wears a Slouch Hat puede figurar como uno. Esta fue una de las primeras piezas de Cage que se que se grabó como una radionovela en colaboración con el escritor Kenneth Patchen, un guion que estaba destinado para la CBS Radio en 1942. John Cage compuso la banda sonora que se convirtió en un proyecto sonoro histórico y vanguardia en la escena musical estadounidense.

La Monte Young – The Well-Tuned Piano

En 1964, La Monte Young le dio play a The Well-Tuned Piano 81 X 25 6:17:50 – 11:18:59 PM NYC (nombre completo) una pieza musical continua que es considerada la obra maestra más resaltante de Young y de la música experimental en sí. Esta canción, que aún sigue sin terminarse, se interpretó por primera vez en un concierto 13 años después de salir a la luz y necesita una preparación de al menos tres meses para ser tocada en un piano sumamente afinado. Solo se ha tocado unas 60 veces (y un poco más).

Velvet Underground & Nico – All Tomorrow’s Parties

Ahora bien, hablando de influencias, All Tomorrow ‘s Parties tiene aires a Terry Rikey en el solo de piano de John Cale. Esta canción, que se lanzó en 1967, trata sobre lo que sucedía en La Fábrica del icónico artista Andy Warhol y de las personas con las cuales él frecuentaba; un sitio en el que ocurrían encuentros de música y arte. Pero, más allá de ese hecho, la pieza tiene una guitarra majestuosa y acordes exquisitamente definidos.

Pillip Glass – Music With Changing Parts

Con una duración de una hora, la composición de Glass, que bien puede ser un álbum o una pieza extensa, se publicó en 1994 y desde entonces se estableció como uno de los proyectos fundamentales de uno de los máximos representantes de la música experimental. Music With Changing Parts se posa en el minimalismo y también en la música de vanguardia y, por otro lado, se evidencian las similitudes con trabajos de sus compañeros como Reich y Riley, pero aporta un sonido novedoso y maravilloso para quienes disfrutan del género. 

The Beatles – Revolution 9

En el espectro de lo alternativo y experimental, Revolution 9 de The Beatles es considerada por muchos como una de las canciones más extrañas del icónico grupo británico, pero otros defienden su existencia a capa y espada. Es una canción que nació de The White Album (1968) y destaca por su “rareza” porque quizás no es lo más común en el repertorio de la boy band, pero aún así se puede rescatar la asistencia de Yoko Ono para darle el toque vanguardista a los sonidos amalgamados en el track.

The Who – Won’t Get Fooled Again

Won’t Get Fooled Again de la banda de rock británico The Who, es una de las canciones en las cuales se evidencia la influencia de Terry Riley en el sonido en loop que se origina del órgano. Además, es considerada como una de las piezas del rock y art rock más revolucionarias y creativas. La canción, que forma parte de su álbum Who ‘s Next (1971) es muy reconocida por el uso de sintetizadores y porque su letra es un llamado a ir contra el sistema, es “una pieza de advertencia”, según expresó la banda.

Para finalizar, y que se entienda mejor el significado de la música experimental, los mismos músicos experimentales (como Cage y Brown) definieron al género como un arte que se enfoca “por el sonido en sí mismo, libre de asociaciones históricas y tradicionales” y, para llegar a ese concepto y a ese tipo de creaciones, ellos investigaron nuevas relaciones entre los sonidos permitiendo un aura aleatoria, vanguardista e ilusoria que no tenía un fin específico y que, sin lugar a dudas, daría como resultado una pieza inesperada al desechar los elementos básicos de una pieza musical.

Referencias :

• Bernstein, D. (2017). Experimentalism and the ‘Whole World of Music’ | Smithsonian Folkways Magazine . Smithsonian Folkways Recordings. https://folkways.si.edu/magazine-winter-2017-experimentalism-and-the-whole-world-of-music/article/smithsonian
• M. (2019, 31 enero). What Music Experimentation Actually Means And Why It’s Hard For Songwriters To Do . ReverbNation Blog. https://blog.reverbnation.com/2019/02/07/what-music-experimentation-means/
• MasterClass Staff. (2021, 7 mayo). Experimental Music Guide: 4 Notable Experimental Artists . MasterClass. https://www.masterclass.com/articles/experimental-music-guide#4-notable-experimental-music-artists
• Norman Records. (s. f.). From Coil to Muslimgauze: our guide to the best experimental music . https://www.normanrecords.com/features/best-experimental-music
• Sun, C. (2012). Experimental music. Oxford Music Online . https://doi.org/10.1093/gmo/9781561592630.article.a2224296
• Wood, S. (2019). Extended Techniques and Experimental Music . Music Crash Courses. https://musiccrashcourses.com/lessons/experimental.html

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Rodríguez, Yossimar. (2022, 18 febrero). Música experimental: definición, características y obras de los mejores músicos experimentales. Cinco Noticias https://www.cinconoticias.com/musica-experimental/

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What Is Experimental Music? With 7 Top Examples & History

If you've been thinking of expanding your musical horizons, you might want to try listening to experimental music.

This genre has elements of almost every other genre, making it one of the most diverse genres. As such, no matter what kind of music you gravitate toward, you can find experimental tracks that suit your tastes!

But what is experimental music, and what makes it unique?

Definition: What Is Experimental Music?

So, what is experimental music? Experimental music defies most traditional genre classifications.

This break from genre norms makes it challenging to create a precise definition of experimental music, as it can embody several characteristics of other genres without necessarily being part of them.

Because experimental music can exhibit traits of any music genre, identifying it can be challenging. Fortunately, you can use a handful of characteristics to determine whether a song is experimental.

Experimental Music Characteristics

Much like lo-fi music , experimental music spans nearly every genre, making it tricky to define and classify.

But three primary characteristics link experimental music, including:

• Unpredictability
• Use of multiple genres
• Unconventional instrumentation

Any song with one or more of these characteristics can fall into the “experimental” genre. Let's explore a few helpful examples that illustrate this.

7 Examples of Experimental Music

Because experimental music incorporates characteristics of all other genres, you can find experimental electronica, pop, and bluegrass music!

So long as a song is unpredictable and unconventional, it can be experimental. The following examples illustrate these characteristics beautifully.

Sun in My Mouth

This Björk track is from her 2001 album “Vespertine.” It features hints of classical and ambient music, but the heady lyrics and vocalization set it apart from more traditional examples of these genres.

The lyrics are poetic and abstract, though many have guessed they speak to sexual exploration or feminine desires that are often seen as taboo.

It's crucial to note that many experimental songs, in addition to utilizing unconventional timing and instrumentation, also present uncommon ideas and topics that are otherwise absent from traditional genres.

Who Could Win A Rabbit

With a cacophony of distorted guitar and vocalization, “Who Could Win A Rabbit” has an upbeat sound that hides a darker subtext.

These darker qualities become more noticeable as the song progresses, hinted at with beat-breaking breathing samples that eventually dissolve into broken dissonance and eerie sounds.

Barely two minutes long, this song is a quick snapshot of modern, pop-infused experimental music. It lacks a chorus, and its lyrics are abstract, with influences that seem to combine the experimental poetry written by E.E. Cummings and traditional nursery rhymes.

Thom Yorke, the lead vocalist of Radiohead, has created some of the most popular experimental songs of the last few decades. Some have even argued that many of Radiohead's albums fall within the genre.

However, his solo releases, including the 2006 album “The Eraser,” might be a better example of experimental music. Tracks like “Black Swan” show off his unique musical style and preferences, but they're not entirely divorced from his previous work, making them excellent footholds for fans of albums like “OK Computer.”

But be warned—this song does contain expletives, so it might not be the best track to play during a family car trip!

The Highest Flood

Matthew Barnes, better known as Forest Swords, has produced a list of groundbreaking tracks that feature unconventional instrumentation and pacing.

Though this artist's roots lie within the DJ community and genre, his modern experimental music contends with that of other well-known artists like Björk and Aphex Twin.

The 2017 track “The Highest Flood” exemplifies these qualities, utilizing repetitive samples, dissonant sounds, and spliced vocalizations to produce a distinct sound supported by consistent, soft orchestration. At just over five minutes long, it's lengthier than the average song.

“Branches” is one of the most oft-repeated John Cage creations, and it might be one of the most experimental songs ever created.

Not only does it come from the modern “father” of experimental music, John Cage, but its precise sound, tempo, and duration vary significantly from performance to performance. And in many ways, this is a track designed for live performance.

It consists of diegetic sounds produced by multiple performers tending to cacti. The pace of these sounds creates a rhythm that morphs, pauses, and quickens depending on the performer's actions.

While some might not consider “Branches” to be music, this John Cage track's controversial and experimental nature has helped it become an iconic part of the genre.

Canyons of Your Mind

Often likened to Frank Zappa and Warren Zevon, Bonzo Dog Doo Dah Band (later shortened to Bonzo Dog Band) was a psychedelic, experimental phenomenon during the late 1960s and early 1970s.

Perhaps best-known for the associations with Neil Innes and the British comedy troupe Monty Python, this band released several strange-yet-delightful tunes during their initial run, including “Canyons of Your Mind.”

Lead vocalist Vivian Stanshall begins the tune with a buttery-smooth, Elvis-esque croon, but things soon devolve into spasm-like screams and a single, unapologetic belch. Without a doubt, this song oozes unpredictability, one of the hallmarks of the experimental music genre.

The music released by Punch Brothers generally falls within the bluegrass genre. But there's a good chance you've never heard bluegrass music quite like theirs!

Their fourth studio album, “Phosphorescent Blues,” contains several tracks showing lead vocalist Chris Thile's passion for experimental music, but “My Oh My” has the most heavy-handed experimental influences.

This song's meaning is straightforward enough, discussing the need to appreciate and feel grateful for the small gifts and treasures found in one's life. But the musical composition is varied, jumping from rock-like, aggressive strumming to gentle, slower-paced instrumentation.

Both fast-paced and sentimental, the only checkbox this song doesn't fill is unconventional instrument use.

5 Top Experimental Musicians

Many notable bands and musicians have dabbled (and continue to dabble) in the experimental genre. Though the work of these artists can also fall into more traditional categories like rock, R&B, or indie, their songs tend to be anything but traditional.

Let's briefly discuss a handful of the most popular and well-known bands and musicians that have helped expand and develop the experimental music genre.

Aphex Twin is considered one of the first forms of electronic experimental music.

Though Aphex Twin's first album (“Selected Ambient Works 85–92”) was released in 1992, many of the songs created by this artist (full name Richard David James) are still celebrated today for their creative and unusual lyrics, structure, and use of electronic sound.

Some of the most popular Aphex Twin tracks include “Windowlicker” and “Come to Daddy,” both of which have controversial and experimental corresponding music videos. If you enjoy ambient and electronica genres, you may enjoy listening to this experimental artist's music.

Animal Collective

Animal Collective takes the traditional form and sound of pop music and turns it on its head, resulting in a new take on the experimental genre that may appeal to listeners who tend to avoid unconventional music.

Their 2009 album “Merriweather Post Pavilion” is a fantastic example of this distinct style. Named after a music venue in Maryland, this album has several features that make it a notable example of the experimental genre.

Its length is a palindrome (54 minutes and 45 seconds), and tracks vary from a more traditional 3 minutes and 52 seconds to a far lengthier 6 minutes.

Instead of relying on traditional instrumentation, the band utilized samplers to produce this album, giving it a mixed-media feel that other pop songs of the time lacked.

Still, Animal Collective has continued to push boundaries throughout later albums, and much of their work has inspired changes within the primary pop genre.

Even if you've never listened to experimental music, there's an excellent chance you've heard of Icelandic artist Björk.

Björk has developed herself as one of the most genre-expanding artists of the 21st century. Her eclectic and eccentric style has helped her become an icon of post-modern experimental music.

Many Björk songs feature ambient, pop, and avant-garde elements, but they twist these elements into new forms that are distinctly different from more traditional examples.

Like Aphex Twin and Animal Collective, these tracks also correspond to equally experimental music videos, offering a visual representation of the unusual nature of the songs themselves.

If you're interested in exploring Björk's experimental side, you'll likely want to listen to her 2004 album “Medúlla.” The unpredictability of each track's length and composition ensures that this album adheres to nearly all the hallmarks of the experimental music genre.

Frank Zappa

Those who enjoy classic rock music may want to explore the many diverse and experimental albums of Frank Zappa.

Zappa , often compared to Captain Beefheart and the Bonzo Dog Band, created over 100 studio albums during his career. Though each of these albums is unique, they all feature early elements of experimental music, including unconventional song lengths and the combination of unharmonious pre-recorded sounds.

However, unlike much of the modern experimental music developed today, these tracks also had a traditional rock n' roll spine that added just enough structural familiarity to make them attractive to the average listener.

Portishead's music has been described as trip-hop, indie, and alternative. But the band doesn't seem to ascribe to these genre classifications, often preferring to be known for their innovative sound and creative style.

For this reason, Portishead falls within the experimental music genre, which becomes more noticeable when listening to tracks like “Roads” or “Numb.” These tracks have ambient, jazz, and alternative elements, but they combine them uniquely.

The band's 1994 album “Dummy” is often heralded as the most experimental, making it a fantastic starting place for those hoping to introduce themselves to the experimental music genre.

The History of Experimental Music

Despite experimental music's reputation for cutting-edge composition, it's older than other genres like new age or indie. After all, all new genres technically fall under the blanket term “experimental music” before earning a unique classification.

But you can trace the experimental music genre as we understand it today to a single person: John Cage.

John Cage was an American composer who began to develop the genre in the early 1950s. His fascination with music as a spontaneous activity inspired him to develop unpredictable tracks using unconventional instruments.

Much of Cage's work had a performance aspect that differentiated it from studio-recorded rock and pop music that was commonplace at the time. However, emerging genres and artists would soon take the reigns of the experimental genre, developing it even further.

The development of electronic instruments, electronica, and EDM helped expand the experimental genre's borders.

After all, experimenting with electronic sound can result in unusual beats and sounds. When these unconventional aspects are combined, they result in electronic experimental music. But instrumental innovation isn't the only aspect that influenced the burgeoning experimental genre.

A need for less-formulaic music also helped the genre develop and expand. Though standard pop and rock songs remain popular, their rigid structures can become a boring inevitability.

For example, almost all popular songs feature two to three stanzas and a chorus that falls between each stanza. Additionally, these songs adhere to a song time limit of about three minutes or less.

Modern experimental music doesn't adhere to these structural or time restrictions. Instead, it seeks to break these rules while remaining engaging and unfamiliar.

These qualities make experimental tracks easily identifiable, as they often sound completely different from songs belonging to other genres.

What Is Experimental Music? Final Thoughts

Experimental music is any type of audio track or song that doesn't fully belong to any other genre. This type of music might not be particularly melodic, it might not feature lyrics, and it might not feature traditional instrumentation.

Though challenging to define, you'll likely recognize experimental music as soon as you hear it. You can use the tracks listed throughout this article as an excellent starting point to explore the experimental music genre.

P.S. Remember though, none of what you've learned will matter if you don't know how to get your music out there and earn from it. Want to learn how to do that? Then get our free ‘5 Steps To Profitable Youtube Music Career' ebook emailed directly to you!

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• Explorando la vanguardia sonora: La teoría de la música experimental

Sonia Durán

hace 11 meses

La música experimental es un género que desafía las convenciones musicales tradicionales y busca explorar nuevas formas de expresión sonora. A lo largo de la historia, ha sido una corriente artística que ha generado controversia y debate, pero también ha sido una fuente de inspiración para muchos músicos y artistas.

Qué es la música experimental

Orígenes y desarrollo de la música experimental, principales exponentes de la música experimental, influencia de la música experimental en otros géneros, beneficios y desafíos de la música experimental, nuestra opinión, preguntas frecuentes.

La música experimental se caracteriza por su enfoque en la exploración de sonidos no convencionales y técnicas poco ortodoxas. A diferencia de la música tradicional, que sigue una estructura predefinida y utiliza instrumentos musicales convencionales, la música experimental busca romper con estas limitaciones y abrir nuevas posibilidades creativas.

La música experimental tiene sus raíces en el siglo XX, cuando varios compositores comenzaron a cuestionar las normas de la música clásica tradicional. A través de experimentos con sonidos electrónicos, grabaciones manipuladas y técnicas de composición no convencionales, estos pioneros sentaron las bases de lo que se convertiría en la música experimental.

Algunos de los principales exponentes de la música experimental incluyen a compositores como John Cage, Karlheinz Stockhausen y Morton Feldman. Estos artistas desafiaron las convenciones musicales establecidas y exploraron nuevas formas de composición y producción sonora.

La música experimental ha tenido una gran influencia en otros géneros musicales, como el rock, el jazz y la música electrónica. Muchos artistas han adoptado técnicas y conceptos de la música experimental para crear obras innovadoras y vanguardistas.

La música experimental ofrece a los artistas la libertad de explorar nuevas ideas y romper con las convenciones establecidas. Sin embargo, también presenta desafíos, ya que puede resultar difícil de comprender y apreciar para algunos oyentes. A pesar de esto, la música experimental sigue siendo una forma de expresión artística valiosa y relevante.

La música experimental es una corriente artística fascinante que desafía las normas establecidas y busca abrir nuevos caminos en la expresión sonora. A través de su exploración de sonidos no convencionales y técnicas innovadoras, la música experimental continúa inspirando a músicos y artistas en todo el mundo.

Apasionada buscadora de verdades ocultas en cada rincón del conocimiento. Exploro teorías conspiratorias, desentraño los misterios de la ciencia y profundizo en los secretos de la psicología. Acompáñame en este fascinante viaje de descubrimiento y reflexión.

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La música experimental: un motor de innovación en el panorama musical

• 10 de febrero de 2024

La música experimental, a lo largo de la historia, ha desempeñado un papel fundamental en la evolución de la música y en la generación de nuevas formas de expresión sonora. A diferencia de la música convencional, la música experimental se caracteriza por su ruptura de estructuras y convenciones establecidas, explorando nuevos territorios y desafiando los límites del arte sonoro.

En un mundo donde la constante renovación y la búsqueda de la originalidad son fundamentales para destacar en la industria musical, la música experimental se ha situado como un enfoque único para la creatividad y la innovación.

En este artículo, exploraremos la importancia de la música experimental en la innovación musical, examinando su influencia en la creación de nuevos sonidos y en la evolución de los géneros musicales tradicionales.

¿Qué es la música experimental?

La música experimental se define como una forma de hacer música que se aleja de las estructuras y convenciones tradicionales. Su objetivo principal es explorar nuevas posibilidades y romper los límites establecidos en términos de estructura, estilo y sonido.

A lo largo de la historia, la música experimental ha ido evolucionando y adquiriendo diferentes formas y técnicas. Desde los primeros experimentos con el sonido realizados por compositores de vanguardia en el siglo XX, hasta las más recientes exploraciones sonoras en la música electrónica y la música contemporánea, la música experimental ha sido una poderosa fuerza impulsora de la creatividad y la innovación.

En la música experimental, los artistas utilizan una amplia gama de técnicas y métodos para romper con las convenciones establecidas. Estos métodos incluyen el uso de instrumentos no convencionales, la manipulación electrónica del sonido, la improvisación y el collage sonoro, entre otros.

La influencia de la música experimental en la innovación musical

Ampliación de los límites musicales.

Una de las principales contribuciones de la música experimental a la innovación musical es su capacidad para desafiar los convencionalismos y empujar los límites de lo que se considera posible en términos de estructura, estilo y sonido.

A lo largo de la historia, muchos artistas y compositores experimentales han roto los paradigmas establecidos en la música, abriendo nuevas posibilidades y creando obras que desafían las expectativas del oyente. Estas obras han influido en otros músicos y géneros, inspirándolos a explorar nuevas vías de expresión y a romper con las convenciones tradicionales.

Un ejemplo destacado de esto es el compositor y teórico del arte sonoro John Cage, quien a mediados del siglo XX desafió las nociones convencionales de la música a través de su obra «4’33», en la que el intérprete permanece en silencio durante cuatro minutos y treinta y tres segundos, dando paso a los sonidos ambientales del entorno como una forma de explorar la relación entre el sonido y el silencio.

Este tipo de enfoque experimental ha llevado a una ampliación de los límites de la música, permitiendo la aparición de nuevos géneros y estilos musicales, y abriendo nuevas posibilidades de expresión artística.

Fomento de la creatividad y la expresión individual

Otra forma en que la música experimental impulsa la innovación musical es a través del fomento de la creatividad y la expresión individual de los músicos.

Al alejarse de las convenciones establecidas y explorar nuevas vías de expresión, la música experimental invita a los músicos a utilizar su ingenio y a buscar su propia voz única en el arte sonoro.

Un ejemplo inspirador de esto es la artista Björk, quien ha utilizado la experimentación sonora y la combinación de diversos géneros y estilos musicales en su trabajo para crear una voz musical única y original. Su enfoque experimental ha influido a muchos otros músicos y ha abierto nuevas posibilidades en la música pop y electrónica.

Este tipo de experimentación y búsqueda de la originalidad se ha convertido en una parte fundamental de la música actual, impulsando la innovación y la evolución constante de la música.

Generación de nuevas técnicas y recursos musicales

La música experimental también ha llevado al descubrimiento de nuevas técnicas de producción, instrumentación y manipulación del sonido, lo cual ha tenido un impacto significativo en la industria musical en general.

A lo largo de la historia, los artistas experimentales han utilizado tecnologías y técnicas innovadoras para crear nuevos sonidos y texturas que han sido posteriormente adoptados por otros músicos y géneros.

Un ejemplo notable de esto es el uso de sintetizadores y samplers en la música electrónica, los cuales tienen sus raíces en la experimentación electrónica de los años 60 y 70.

Estas innovaciones técnicas y tecnológicas han ampliado las posibilidades creativas y han permitido la aparición de nuevos géneros y estilos musicales, enriqueciendo la industria musical en su conjunto.

La música experimental como fuente de inspiración para otros géneros

Influencia en la música electrónica.

Uno de los ámbitos en los que la música experimental ha tenido una influencia significativa es en la música electrónica. Desde sus inicios, la música electrónica ha sido una búsqueda constante de innovación y experimentación sonora, y ha encontrado en la música experimental una fuente de inspiración clave.

La música experimental ha impulsado la evolución de la música electrónica, inspirando nuevos enfoques y técnicas de producción, así como la creación de nuevos géneros y subgéneros.

Un ejemplo destacado de la influencia de la música experimental en la música electrónica es el género del IDM (Intelligent Dance Music), que combina elementos de la música experimental y la música electrónica para crear una experiencia musical única y vanguardista.

Esta fusión de la experimentación sonora con la música electrónica ha llevado a la creación de nuevos sonidos y estilos musicales, y ha contribuido a la evolución constante de la música electrónica.

Exploración de géneros híbridos

Otro aspecto en el que la música experimental ha dejado su huella es en la creación de géneros híbridos y la fusión de diferentes influencias y estilos musicales.

La música experimental ha sido fundamental para la aparición de géneros que combinan elementos de la música experimental con géneros tradicionales, creando nuevas formas de expresión musical.

Un ejemplo notable de esto es el género del post-rock, que combina elementos del rock con la experimentación y la exploración sonora característica de la música experimental.

Estos géneros híbridos han abierto nuevas posibilidades creativas y han influido en la evolución de la música en general, enriqueciendo el panorama musical con nuevas perspectivas y sonidos innovadores.

El papel de la música experimental en la evolución de la música tradicional

Innovación en la composición musical.

La música experimental ha tenido un impacto significativo en la composición musical, llevando a la adopción de nuevas técnicas y enfoques creativos en la música tradicional.

Los compositores, tanto clásicos como contemporáneos, han sido influenciados por la experimentación sonora y han incorporado elementos de la música experimental en sus obras, generando una evolución en la forma en que se crea y se comprende la música.

Un ejemplo destacado de esto es el compositor contemporáneo Steve Reich, cuyo trabajo se caracteriza por la repetición de patrones y la superposición de texturas, técnicas inspiradas en la música minimalista y la música electrónica experimental.

Estas nuevas técnicas de composición han permitido a los compositores explorar nuevas formas de expresión y han enriquecido el repertorio musical con obras únicas y originales.

Exploración de nuevos sonidos y texturas

La música experimental ha ampliado el panorama sonoro de la música tradicional, introduciendo nuevos sonidos, texturas y formas de expresión.

Músicos y grupos de diferentes géneros han incorporado elementos de la música experimental en su trabajo, enriqueciendo su sonido y agregando un nuevo nivel de profundidad y originalidad.

Un ejemplo de esto es el grupo Radiohead, que ha experimentado con diferentes técnicas y texturas sonoras en sus álbumes, fusionando elementos de la música experimental con el rock alternativo para crear un sonido distintivo y evocador.

Este tipo de experimentación sonora ha llevado a la creación de obras musicales que desafían las convenciones establecidas y que empujan los límites de la música tradicional.

Experimentación en la interpretación musical

La música experimental ha desafiado las normas tradicionales en la interpretación musical, alentando a los músicos a explorar nuevas técnicas y enfoques en su ejecución.

Los músicos experimentales han buscado nuevas formas de tocar sus instrumentos, han incorporado elementos de improvisación y han explorado nuevas técnicas de interpretación que van más allá de las convenciones establecidas.

Un ejemplo destacado de esto es el guitarrista y compositor experimental Fred Frith, cuyo estilo único de tocar la guitarra ha inspirado a muchos otros músicos a explorar nuevas técnicas y enfoques en su interpretación.

Esta experimentación en la interpretación musical ha llevado a nuevas posibilidades de expresión y ha permitido a los músicos desarrollar su propio estilo y voz individual.

La música experimental desafía los límites de la música convencional y fomenta la innovación en la industria musical. A través de su exploración de nuevos sonidos, técnicas y enfoques, la música experimental ha ampliado el panorama sonoro de la música y ha generado nuevas formas de expresión artística.

La música experimental ha sido una fuente de inspiración para otros géneros y ha influido en la evolución de la música tradicional. Su importancia radica en su capacidad para impulsar la creatividad y la búsqueda constante de la originalidad, manteniendo la música fresca, relevante y en constante evolución.

Si deseas descubrir nuevas formas de expresión musical y explorar tu propia creatividad, te invitamos a adentrarte en el mundo de la música experimental y descubrir las posibilidades y el potencial que ofrece en el ámbito de la innovación musical.

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Exploring the Dynamic World of Experimental Music

Unveiling the Sonic Revolution

In the realm of music, where creativity knows no bounds, experimental music stands as a testament to the limitless possibilities of sound. This genre, marked by its audacious departure from conventional musical norms, has pushed the boundaries of what we perceive as music. In this article, we delve deep into the captivating universe of experimental music, tracing its roots, development, and its eclectic relationship with related genres. Buckle up for a thrilling journey through the auditory landscapes of experimentation.

Table of Contents

Defining Experimental Music

Experimental music is a genre that defies easy definition. It’s not a genre in the traditional sense, but rather an approach to making music that emphasizes innovation, exploration, and a willingness to challenge established norms. At its core, experimental music is about pushing the boundaries of what is considered music. It thrives on unconventional sounds, structures, and techniques, often eschewing traditional melodies and rhythms in favor of more abstract and avant-garde elements.

One of the defining characteristics of experimental music is its emphasis on the process of creation rather than the end result. Musicians in this genre often prioritize experimentation over commercial success, seeking to create unique and thought-provoking sonic experiences that challenge the listener’s preconceptions.

A Journey Through History

Early pioneers.

Experimental music has a rich and varied history that spans over a century. Its roots can be traced back to the early 20th century when composers like Arnold Schoenberg and John Cage began to experiment with atonal compositions and the use of unconventional instruments.

One of the most notable early experimental compositions is Igor Stravinsky’s “The Rite of Spring” (1913). This groundbreaking piece of music shocked audiences with its dissonant chords and irregular rhythms, leading to a riot at its premiere in Paris.

The Avant-Garde Movement

The mid-20th century saw the rise of the avant-garde movement , which had a profound impact on experimental music. Composers like Karlheinz Stockhausen and Pierre Boulez embraced electronic music and expanded the possibilities of sound manipulation through technology. Stockhausen’s “Gesang der Jünglinge” (1955-56) is a prime example of how electronic elements were integrated into experimental compositions.

The Emergence of Experimental Rock

In the 1960s and 70s , experimental music began to infiltrate the world of rock and popular music. Bands like The Velvet Underground and Frank Zappa’s Mothers of Invention incorporated avant-garde elements into their music, challenging the boundaries of rock and roll.

The Velvet Underground’s album “The Velvet Underground & Nico” (1967) is a seminal work that introduced experimental elements such as feedback and dissonance into the rock genre, paving the way for future experimentation in popular music.

The Evolution of Experimental Music

The electronic revolution.

The advent of electronic music and synthesizers in the mid-20th century revolutionized experimental music. Artists like Brian Eno and Kraftwerk embraced electronic instruments to create otherworldly soundscapes. Eno’s “Music for Airports” (1978) is a landmark ambient album that redefined the possibilities of electronic music.

The Influence of Minimalism

Minimalism also played a significant role in the development of experimental music. Composers like Steve Reich and Philip Glass stripped music down to its essential elements, using repetition and minimalistic structures to create hypnotic and immersive experiences. Reich’s “Music for 18 Musicians” (1976) is a masterpiece of minimalism that continues to inspire experimental musicians today.

The Noise and Drone Movements

The late 20th century saw the emergence of noise and drone music as prominent subgenres of experimental music. Artists like Merzbow and Sunn O))) pushed the boundaries of sonic intensity, using harsh noise and extended drone notes to create visceral and often challenging listening experiences. Merzbow’s “ Pulse Demon ” (1996) is a relentless onslaught of noise, while Sunn O)))’s “ Monoliths & Dimensions ” (2009) explores the depths of sonic heaviness.

Experimental Music and Related Genres

Experimental music, by its very nature, intersects with and influences a wide range of musical genres. Here are a few genres that have been particularly impacted by the experimental ethos:

Avant-Garde Jazz

Experimental music and avant-garde jazz share a spirit of innovation and boundary-pushing. Artists like John Coltrane, Ornette Coleman, and Sun Ra incorporated elements of free improvisation and dissonance into their jazz compositions, leading to groundbreaking works like Coltrane’s “A Love Supreme” (1965) and Sun Ra’s “Space Is the Place” (1973).

Post-rock is a genre that emerged in the late 20th century and was heavily influenced by experimental music. Bands like Godspeed You! Black Emperor and Explosions in the Sky use unconventional song structures and a focus on texture and atmosphere to create expansive and emotionally charged music. Godspeed You! Black Emperor’s “Lift Your Skinny Fists Like Antennas to Heaven” (2000) is a sprawling epic that exemplifies the post-rock genre’s experimental tendencies.

Industrial music draws on the abrasive and mechanized sounds of the modern world, making it a natural ally of experimental music. Bands like Nine Inch Nails and Throbbing Gristle incorporate elements of noise, distortion, and unconventional instrumentation to create a harsh and confrontational sonic palette. Nine Inch Nails’ “The Downward Spiral” (1994) is a landmark album in the industrial genre, pushing the boundaries of both music and technology.

Influential Bands and Albums

To truly appreciate the diverse landscape of experimental music, it’s essential to explore some of the most influential bands and albums that have shaped the genre. Here are a few essential listens:

• This album is a pioneering work that redefined the possibilities of rock music. Produced by Andy Warhol, it introduced elements of noise, feedback, and lyrical darkness into the mainstream, setting the stage for the future of experimental rock.
• Notable Tracks: “Sunday Morning,” “Venus in Furs,” “Heroin.”
• Brian Eno’s “Music for Airports” is a landmark in ambient music. It marked a departure from traditional composition, emphasizing atmosphere and texture over conventional musical structures. It is considered a pivotal work in the development of ambient and electronic music.
• Notable Tracks: The entire album is a continuous ambient piece, with four parts.
• Steve Reich’s minimalist composition “Music for 18 Musicians” is a mesmerizing journey into repetitive patterns and evolving harmonies. It’s a groundbreaking work that challenged the traditional concepts of melody and harmony.
• Notable Tracks: The piece is divided into sections rather than traditional tracks.
• Merzbow, the project of Japanese noise artist Masami Akita, is known for its relentless onslaught of noise and distortion. “Pulse Demon” is a prime example of this sonic intensity, pushing the boundaries of noise music.
• Notable Tracks: “Woodpecker No. 1,” “Woodpecker No. 2.”
• Godspeed You! Black Emperor’s album is a sprawling and emotionally charged masterpiece. It exemplifies the post-rock genre’s experimental tendencies, with intricate compositions that build to epic climaxes.
• Notable Tracks: “Storm,” “Static,” “Sleep.”
• Nine Inch Nails’ “The Downward Spiral” is a classic industrial album that combines aggressive electronic elements with introspective and confrontational lyrics. It’s a dark and intense exploration of psychological turmoil.
• Notable Tracks: “Closer,” “Hurt,” “March of the Pigs.”

Closing Thoughts

Experimental music remains a dynamic and ever-evolving genre that challenges our preconceptions of what music can be. From its early roots in avant-garde composition to its influence on a wide range of musical styles, experimental music continues to push the boundaries of sonic exploration. As we journey through the fascinating history and development of this genre, we can’t help but wonder what audacious and innovative sounds the future holds for experimental music.

• Quiénes somos

La música experimental es una forma de vida

Aunque la música experimental tiene una historia y una genealogía ricas y fascinantes, no puede considerarse un "género" musical en sí mismo. Es mucho más una actitud, una forma singular de considerar la creación, pero también de escuchar, y de (re)reconciliar el arte y la vida. Una actitud compartida por todos los artistas invitados a la edición 2022 del festival riverrun , organizado entre Albi y Toulouse por el GMEA.

Una genealogía de la experimentación musical

La noción de vanguardia ha perdurado, es historia, como dicen los americanos; formaba parte de una mitología progresista del arte que ha tenido su día . En todo el sentido de la palabra. En efecto, las vanguardias del siglo XX, consustanciales a la modernidad, han permitido, sin embargo, que la creación artística, e incluso la concepción del arte, realicen metamorfosis decisivas. Esto se debe en gran parte a su carácter experimental, a su vocación. ¿Es la experimentación lo que queda de la vanguardia? Dadá y Fluxus, por citar sólo dos, han reunido en cualquier caso a personalidades artísticas que aún hoy impresionan por su intrepidez. Empezando, por supuesto, por el compositor estadounidense John Cage (1912-1992), una especie de eslabón entre estos dos movimientos, que fue el primero en teorizar la noción de "música experimental" en un artículo de 1955, "Experimental Music: Doctrine", definiéndola como "una acción cuyo resultado es desconocido"(1) . Por supuesto, en la misma década, Pierre Schaeffer, el padre de la musique concrète (o música electroacústica), también utilizó la expresión "música experimental", pero en un sentido más cercano al significado científico, de "laboratorio", del epíteto. También es cierto que el término "experimental" se ha utilizado -de forma bastante peyorativa- para designar toda la música occidental de posguerra de tradición escrita, es decir, la música contemporánea. Pero mientras que algunos compositores como Pierre Boulez pueden haber recurrido a procedimientos experimentales (trabajo abierto, recurso a la aleatoriedad), la concepción de Cage contrasta radicalmente con la postura de estos representantes de lo que se ha dado en llamar la "vanguardia institucional", aunque sólo sea por su ambición de conciliar arte y vida, como los artistas de Dadá y Fluxus. 

La génesis de la música experimental es, pues, en gran medida anglosajona. Se desarrolló principalmente en Carolina del Sur en los años 50, en el Black Mountain College (donde Cage creó en 1952, con Event #1 , el primer happening de la historia, con la complicidad del pianista David Tudor, entre otros), y luego en la década siguiente en California, en torno al famoso San Francisco Tape Music Center, que puede considerarse como uno de los primeros centros de lo que sería la música minimalista. Varios compositores aparecen en esta edición de 2022 de riverrun han gravitado hacia esta última: Pauline Oliveros (1932-2016), Alvin Lucier (1931-2021). De estos compositores, la música electroacústica sueca Ellen Arkbro puede considerarse hoy como una de las herederas, que nunca ha dejado de explorar, especialmente en el órgano, los misterios y el vértigo del sonido continuo...

Esta genealogía se ramifica concomitantemente al otro lado del Atlántico, en Gran Bretaña, en torno a la figura de Cornelius Cardew (1936-1981), "discípulo" de Cage y gran adepto a las partituras gráficas, un músico al que el GMEA ha homenajeado con frecuencia en los últimos años. Con él, la experimentación en la música adquiere no sólo un valor estético y ontológico, sino sobre todo político. De esta historia, que aún continúa en todas partes del mundo, y de la que la obra esencial del crítico y compositor Michael Nyman , Experimental Music , publicada en 1974 con un prefacio de Brian Eno, ofrece un análisis fascinante(2), se desprende una cosa: la noción de "música experimental" no puede resumirse en la noción de indeterminación que, para Cage, la definía al principio. Abarca una multiplicidad de prácticas sonoras heterogéneas que, sin embargo, tienen en común que trastocan los conceptos de obra musical, notación, tiempo y espacio; dar al silencio el lugar que le corresponde -en este sentido, la música del compositor suizo Jürg Frey, cuya pieza Grounds of Memory , inspirada en la poesía de Emily Dickinson, será estrenada por el conjunto Dedalus , la cantante Peyee Chen y el Quatuor Bozzini, es especialmente emblemática-; y, en definitiva, transformar los papeles del compositor, del intérprete y también del oyente. La experimentación en la música puede, por ejemplo, referirse a la fabricación de violines: así, el instrumental (d)sorprendente, heterodoxo y altamente poético desplegado por la japonesa Rie Nakajima y el belga Pierre Berthet . También puede tener como objeto la tradición: pensemos en las sorprendentes relecturas que Deborah Walker y Silvia Tarozzi ofrecerán de las "canciones de guerra, trabajo y amor" tomadas del folclore italiano. Y así sucesivamente...

Una inocencia musical

Matthieu Saladin resume muy bien esta "ausencia de un "género" musical distintivo para la música experimental" en la introducción de su colección L'Expérience de l'expérimentation (La experiencia de la experimentación ), que abarca tanto el minimalismo americano como el ruido japonés, la improvisación y el movimiento de la "música experimental". grabación de campo Y añade: "Son más bien relaciones singulares con la creación musical las que surgen, alimentadas por diferentes temas o intereses según los músicos y artistas, y atravesando una multiplicidad de corrientes y prácticas. Y añade: "Si la música experimental no representa un género, es también porque la experimentación no se manifiesta exclusivamente en la llamada música experimental, y que, a la inversa, los músicos que trabajan en la música calificada como experimental por convención o costumbre, pueden no experimentar en absoluto. En este sentido, la fragilidad de la experimentación prohíbe toda reducción a una práctica de expertos, abriéndola a la multitud de aficionados que a su vez sabrán explotar sus defectos. Pensar en la "música experimental" en la dirección opuesta a una categoría cerrada requiere considerar las formas de experimentación en la música a la que a menudo se le ha negado tal calificación, sobre todo debido a sus raíces populares.

Si su vocación es desbaratar etiquetas, códigos, formatos y academicismos de todo tipo, la "música experimental" no está exenta de tópicos y clichés. Y, de hecho, la experimentación es hoy en día un lugar común en todos los estilos musicales, desde el r'n'b hasta el folclore y el rock, al menos desde el Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de los Beatles, que, en 1967, impuso el estudio como un instrumento por derecho propio.

En este campo, un punto de no retorno parece haber sido alcanzado por Lou Reed en 1975 con su quinto álbum de estudio, Música de máquinas de metal Una hora de ruido blanco que, en su momento, le pareció al ex cantante de Velvet Underground un suicidio comercial (y de crítica). El conjunto Zeitkratzer , dirigido por Reinhold Friedl, ofrecerá una lectura que no hace sino subrayar la modernidad intemporal de este gesto radical. Una dinámica experimental anima también a un buen número de actores de la escena electrónica: la alemana Antye Greie-Ripatti, alias AGF, es un buen ejemplo, como puede verse en el concierto de las Lappetites , el trío que forma desde 2005 con la inglesa Kaffe Matthews y la japonesa Ryoko Akama.Es cierto que muchas tiendas de discos tienen contenedores "experimentales", que generalmente agrupan las obras de los herederos de la música industrial de principios de los años ochenta, un movimiento en sí mismo proteico. El hecho es que la experimentación es ante todo una curiosidad, una capacidad de permanecer abierto al momento, a lo desconocido, a lo inesperado. Es una disposición mental, una actitud, como el punk en definitiva; una práctica, como la meditación. Es en cierto modo, sea o no una de esas "prácticas expertas" de las que habla Matthieu Saladin, una forma de inocencia. Una palabra que nos remite a Cornelius Cardew, quien pretendía, con su obra maestra Treatise (1963-67), dirigirse a los "inocentes musicales", esos músicos aficionados a los que también iba dirigida la Scratch Orchestra, una especie de utopía democrática que inició a finales de los años 60.

Una palabra que también nos remite al filósofo Gilles Deleuze, maestro de pensamiento de Pascale Criton -un compositor que nunca ha dejado de explorar caminos laterales al margen de las prácticas institucionales-, según el cual la experimentación en el arte "parece tanto más difícil e intelectual para los intelectuales que accesible para los estúpidos, los analfabetos, los esquizofrénicos"(4) . Con fama de ser de difícil acceso, ¿no es la música experimental, por el contrario, la más naturalmente compartible? Así, la inocencia en cuestión concierne tanto a los artistas como a los espectadores/oyentes. En la experimentación, lo que está en juego es la escucha, al menos tanto como la creación. Esto nos remite a John Cage, a la fusión siempre renovada del arte y la vida, de la obra y su entorno, a la que él aspiraba. "Estamos, de hecho, técnicamente equipados para transformar nuestra conciencia actual del modus operandi de la naturaleza en arte. No debemos temer el futuro de la música", dijo en 1957. ¿Es la experimentación la infancia del arte, o, por decirlo de una manera menos abusiva, un auténtico arte de vivir?

David Sanson

Festival fluvial del 24 de septiembre al 9 de octubre de 2022, una asociación entre GMEA - Centre National de Création Musicale & Hémisphère son.

1. Este artículo, traducido en 1961, se encuentra en la colección Silencio. Conférences et écrits , Ginebra, Éditions Héros-Limite, 2003. 2. La música experimental fue publicada en francés por Allia. 3. Véase Matthieu Saladin, L'Expérience de l'expérimentation , París, Les Presses du réel, 2015, pp. 11-16. 4. Gilles Deleuze y Félix Guattari, L'Anti-Œdipe. Capitalisme et schizophrénie , citado por Matthieu Saladin, op. cit . , p. 15.

Foto del artículo: rie nakajima y pierre berthet foto mountain college © barbara morgan, relacionado.

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Música experimental

Originally posted 2018-07-04 12:57:46.

La música experimental es una etiqueta general para cualquier música que empuja los límites existentes y las definiciones de género (Anónimo y nd (c)). La práctica compositiva experimental se define ampliamente por sensibilitis exploratoria radicalmente opuesta a, y cuestionamiento de, convenciones institucionalizadas compositivas, interpretativas y estéticas en la música (Sun 2013). Los elementos de la música experimental incluyen música indeterminada, en la que el compositor introduce los elementos de azar o imprevisibilidad con respecto a la composición o su interpretación. Los artistas también pueden acercarse a un híbrido de estilos dispares o incorporar elementos únicos y no ortodoxos (Anónimo y nd (c)).

La práctica se hizo prominente a mediados del siglo XX, particularmente en Europa y América del Norte. John Cage fue uno de los primeros compositores en utilizar el término y uno de los innovadores principales de la música experimental, utilizando técnicas de indeterminación y buscando resultados desconocidos. En Francia, ya en 1953, Pierre Schaeffer había comenzado a usar el término «musique expérimentale» para describir actividades de composición que incorporaban música de cinta, música concreta y música elektronische. Además, en Estados Unidos, un sentido bastante distinto del término se usó a fines de la década de 1950 para describir la composición controlada por computadora asociada con compositores como Lejaren Hiller. Harry Partch e Ivor Darreg trabajaron con otras escalas de afinación basadas en las leyes físicas de la música armónica. Para esta música, ambos desarrollaron un grupo de instrumentos musicales experimentales. Musique concrète (francés, literalmente, «música concreta»), es una forma de música electroacústica que utiliza el sonido acusmático como recurso compositivo. La improvisación libre o música gratis es música improvisada sin ninguna regla más allá del gusto o la inclinación del músico (s) involucrado (s); en muchos casos, los músicos hacen un esfuerzo activo para evitar «clichés», es decir, referencias abiertas a convenciones o géneros musicales reconocibles.

Terminología El término es confuso porque se puede usar de muchas maneras diferentes: como sinónimo en el sentido amplio de la música contemporánea o, por el contrario, en un sentido restringido, refiriéndose solo a las tendencias específicas de esa música. El término también se puede usar en un sentido aún más amplio y también abarca, con música académica contemporánea, el conjunto de la música popular de vanguardia.

Definiciones y uso Orígenes El Groupe de Recherches de Musique Concrète (GRMC), bajo la dirección de Pierre Schaeffer, organizó la Primera Década Internacional de Música Experimental entre el 8 y el 18 de junio de 1953. Esto parece haber sido un intento de Schaeffer de invertir la asimilación de la música concreta en la elektronische Musik alemana, y en su lugar trató de incluir la musique concrète, la elektronische Musik, la música de cinta y la música del mundo bajo la rúbrica «musique experimentale» (Palombini 1993, 18). La publicación del manifiesto de Schaeffer (Schaeffer, 1957) se retrasó cuatro años, momento en el que Schaeffer favoreció el término «recherche musicale» (investigación musical), aunque nunca abandonó por completo «musique expérimentale» (Palombini 1993a, 19; Palombini 1993b, 557). )

John Cage también estaba utilizando el término ya en 1955. Según la definición de Cage, «una acción experimental es uno cuyo resultado no está previsto» (Cage 1961, 39), y estaba específicamente interesado en trabajos completos que realizaban un impredecible acción (Mauceri 1997, 197). En Alemania, la publicación del artículo de Cage fue anticipada por varios meses en una conferencia pronunciada por Wolfgang Edward Rebner en el Darmstädter Ferienkurse el 13 de agosto de 1954, titulada «Amerikanische Experimentalmusik». La conferencia de Rebner amplió el concepto para incluir a Charles Ives, Edgard Varèse, y Henry Cowell, así como Cage, debido a su enfoque en el sonido como tal en lugar de método de composición (Rebner 1997).

Clasificaciones alternativas El compositor y crítico Michael Nyman parte de la definición de Cage (Nyman 1974, 1) y desarrolla el término «experimental» también para describir el trabajo de otros compositores estadounidenses (Christian Wolff, Earle Brown, Meredith Monk, Malcolm Goldstein, Morton Feldman, Terry Riley , La Monte Young, Philip Glass, John Cale, Steve Reich, etc.), así como compositores como Gavin Bryars, Toshi Ichiyanagi, Cornelius Cardew, John Tilbury, Frederic Rzewski y Keith Rowe (Nyman 1974, 78-81, 93-115). Nyman se opone a la música experimental con la vanguardia europea de la época (Boulez, Kagel, Xenakis, Birtwistle, Berio, Stockhausen y Bussotti), para quienes «La identidad de una composición es de suma importancia» (Nyman 1974, 2 y 9). ) La palabra «experimental» en los primeros casos «es adecuada, siempre que no se la interprete como un acto que se juzgará más tarde en términos de éxito o fracaso, sino simplemente como un acto cuyo resultado se desconoce» (Cage, 1961). )

David Cope también distingue entre experimental y vanguardista, y describe la música experimental como «lo que representa una negativa a aceptar el status quo» (Cope 1997, 222). David Nicholls también hace esta distinción, diciendo que «… en términos generales, la música de vanguardia se puede ver como ocupando una posición extrema dentro de la tradición, mientras que la música experimental se encuentra fuera de ella» (Nicholls 1998, 318).

Warren Burt advierte que, como «una combinación de técnicas de vanguardia y una cierta actitud exploratoria», la música experimental requiere una definición amplia e inclusiva, «una serie de ands, si se quiere», que abarca áreas tales como «influencias y trabajo de Cage». con baja tecnología e improvisación y poesía y lingüística sonora y construcción de nuevos instrumentos y teatro musical y multimedia y trabajan con alta tecnología y música comunitaria, entre otras cosas, cuando estas actividades se realizan con el objetivo de encontrar esas músicas que «no nos gustan», sin embargo, «[citando a Herbert Brün] en un ‘entorno de búsqueda de problemas’ [citando a Chris Mann]» (Burt 1991, 5).

Benjamin Piekut argumenta que esta «visión consensuada del experimentalismo» se basa en una «agrupación» a priori, en lugar de formular la pregunta «¿Cómo se han reunido estos compositores en primer lugar, que ahora pueden ser objeto de una descripción? » Es decir, «en su mayor parte, los estudios musicales experimentales describen [sic] una categoría sin realmente explicarla» (Piekut 2008, 2-5). Encuentra excepciones loables en el trabajo de David Nicholls y, especialmente, Amy Beal (Piekut 2008, 5), y concluye de su trabajo que «el cambio ontológico fundamental que marca el experimentalismo como un logro es el del representacionalismo a la performatividad», de modo que «Una explicación del experimentalismo que ya asume la categoría que pretende explicar es un ejercicio de metafísica, no de ontología» (Piekut 2008, 7).

Leonard B. Meyer, por otro lado, incluye bajo compositores de «música experimental» rechazados por Nyman, como Berio, Boulez y Stockhausen, así como las técnicas del «serialismo total» (Meyer 1994, 106-107 y 266), sosteniendo que «no existe una sola, o incluso preeminente, música experimental, sino más bien una plétora de diferentes métodos y tipos» (Meyer 1994, 237).

Término crítico abortivo En la década de 1950, el término «experimental» solía aplicarlo la crítica conservadora de la música, junto con varias otras palabras, como «arte de ingenieros», «división musical del átomo», «cocina de alquimista», «atonal» y «serial» -como término de jerga desaprobatorio, que debe considerarse como «conceptos abortivos», ya que no «captan un tema» (Metzger 1959, 21). Este fue un intento de marginar y, por lo tanto, descartar varios tipos de música que no se ajustaban a las convenciones establecidas (Mauceri 1997, 189). En 1955, Pierre Boulez lo identificó como una «nueva definición que permite restringir a un laboratorio, que es tolerado pero sujeto a inspección, todos los intentos de corromper la moral musical. Una vez que han establecido límites al peligro, los buenos avestruces se van dormir de nuevo y despertar solo para herir sus pies de rabia cuando se ven obligados a aceptar el amargo hecho de los estragos periódicos causados ​​por el experimento «. Él concluye, «No existe la música experimental … pero hay una distinción muy real entre esterilidad e invención» (Boulez 1986, 430 y 431). Comenzando en la década de 1960, la «música experimental» comenzó a ser utilizada en Estados Unidos con un propósito casi opuesto, en un intento de establecer una categoría histórica para ayudar a legitimar a un grupo débilmente identificado de compositores «externos» radicalmente innovadores. Cualquiera que sea el éxito que esto pueda haber tenido en la academia, este intento de construir un género fue tan abortivo como el llamamiento sin sentido conocido por Metzger, ya que según la propia definición del «género», la obra que incluye es «radicalmente diferente y altamente individualista» (Mauceri 1997, 190). Por lo tanto, no es un género, sino una categoría abierta, «porque cualquier intento de clasificar un fenómeno como inclasificable y (a menudo) elusivo como música experimental debe ser parcial» (Nyman 1974, 5). Además, la indeterminación característica en el rendimiento «garantiza que dos versiones de la misma pieza prácticamente no tendrán en común» hechos «musicales perceptibles» (Nyman 1974, 9).

Composición de la computadora A fines de la década de 1950, Lejaren Hiller y LM Isaacson usaron el término en relación con la composición controlada por computadora, en el sentido científico de «experimento» (Hiller y Isaacson 1959): hacer predicciones para nuevas composiciones basadas en la técnica musical establecida (Mauceri 1997, 194-95). El término «música experimental» se usó contemporáneamente para la música electrónica, particularmente en la obra de la música antigua concrète de Schaeffer y Henry en Francia (Vignal 2003, 298). Existe una superposición considerable entre la música del centro y lo que se suele llamar música experimental, especialmente cuando el término fue definido extensamente por Nyman en su libro Experimental Music: Cage and Beyond (1974, segunda edición 1999).

Antecedentes influyentes Varios compositores estadounidenses de principios del siglo XX, considerados precedentes e influencias de John Cage, a veces se conocen como la «Escuela Experimental Americana». Estos incluyen Charles Ives, Charles y Ruth Crawford Seeger, Henry Cowell, Carl Ruggles y John Becker (Nicholls 1990, Rebner 1997).

Escuela de Nueva York Artistas: John Cage, Earle Brown, Christian Wolff, Morton Feldman, David Tudor, relacionados: Merce Cunningham

Musique concrète Musique concrète (francés, literalmente, «música concreta»), es una forma de música electroacústica que utiliza el sonido acusmático como recurso compositivo. El material compositivo no se limita a la inclusión de sonoridades derivadas de instrumentos musicales o voces, ni a elementos tradicionalmente considerados como «musicales» (melodía, armonía, ritmo, metro, etc.). Los fundamentos teóricos de la estética fueron desarrollados por Pierre Schaeffer, comenzando a finales de la década de 1940.

Fluxus Fluxus fue un movimiento artístico iniciado en la década de 1960, caracterizado por una mayor teatralidad y el uso de medios mixtos. Otro aspecto musical conocido que aparece en el movimiento Fluxus fue el uso de Primal Scream en actuaciones, derivadas de la terapia primaria. Yoko Ono usó esta técnica de expresión (Bateman nd).

Minimalismo La música mínima es una forma de música artística que emplea materiales musicales limitados o mínimos. En la tradición de la música de arte occidental, a los compositores estadounidenses La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich y Philip Glass se les atribuye ser uno de los primeros en desarrollar técnicas de composición que explotan un enfoque mínimo. Se originó en la escena Downtown de Nueva York de la década de 1960 y se vio inicialmente como una forma de música experimental llamada New York Hypnotic School. Como estética, está marcada por una concepción no narrativa, no teleológica y no representativa de un trabajo en progreso, y representa un nuevo enfoque de la actividad de escuchar música centrándose en los procesos internos de la música, que carecen de objetivos o movimiento hacia esos objetivos. Las características más destacadas de la técnica incluyen armonía de consonantes, pulso constante (si no son drones inmóviles), estasis o transformación gradual, y con frecuencia la reiteración de frases musicales o unidades más pequeñas como figuras, motivos y células. Puede incluir características tales como el proceso aditivo y el cambio de fase que conduce a lo que se ha denominado música de fase. Las composiciones mínimas que dependen en gran medida de técnicas de proceso que siguen reglas estrictas generalmente se describen utilizando el término música de proceso.

Transethnicism El término «experimental» a veces se ha aplicado a la mezcla de géneros musicales reconocibles, especialmente aquellos identificados con grupos étnicos específicos, como se encuentra, por ejemplo, en la música de Laurie Anderson, Chou Wen-chung, Steve Reich, Kevin Volans, Martin Scherzinger, Michael Blake y Rüdiger Meyer (Blake 1999, Jaffe 1983, Lubet 1999).

Improvisación libre La improvisación libre o música gratis es música improvisada sin ninguna regla más allá del gusto o la inclinación del músico (s) involucrado (s); en muchos casos, los músicos hacen un esfuerzo activo para evitar referencias abiertas a géneros musicales reconocibles. El término es algo paradójico, ya que puede considerarse tanto una técnica (empleada por cualquier músico que desea ignorar géneros y formas rígidas) como un género reconocible en sí mismo.

Influencia Los residentes comenzaron en los años setenta como un grupo musical idiosincrásico que mezcla todo tipo de géneros artísticos como música pop, música electrónica, música experimental con películas, cómics y arte de performance (Ankeny nd). Rhys Chatham y Glenn Branca compusieron varias composiciones para guitarra a fines de la década de 1970. Chatham trabajó durante algún tiempo con LaMonte Young y luego mezcló las ideas musicales experimentales con el punk rock en su pieza Guitar Trio. Lydia Lunch comenzó a incorporar palabras habladas con punk rock y Marte exploró nuevas técnicas de guitarra deslizante. Arto Lindsay se olvidó de utilizar cualquier tipo de práctica musical o teoría para desarrollar una técnica de juego atonal idiosincrásica. DNA y James Chance son otros artistas famosos sin onda. Posiblemente más tarde se movió más a la improvisación gratis. El movimiento No Wave estuvo estrechamente relacionado con el arte transgresor y, al igual que Fluxus, a menudo mezcló el arte de la interpretación con la música. Sin embargo, se lo ve alternativamente como una rama vanguardista del punk de los 70 y un género relacionado con el rock experimental (Anon. & Nd (b)).

Evolución y empleo en los Estados Unidos Durante la década de 1960, el término ha tomado un sentido más restringido, especialmente los Estados Unidos. Fue usado principalmente para distinguir a los compositores antitradicionales (como John Cage) en contraste con la tendencia vanguardista europea 3. Esta música se caracteriza por una voluntad de desempoderamiento del compositor, un no determinismo del acto creativo y por lo tanto un resultado musical en parte impredecible. Una voluntad de no-control que va en contra de los enfoques de la música vanguardista europea oficial de la era más formal, como el serialismo integral caracterizado por el determinismo y el control total de todos los parámetros musicales.

Es en un sentido bastante similar que Michael Nyman usa el término pero lo extiende a los compositores minimalistas y posmodernistas de una manera general. De hecho, en su libro Música experimental: Cage and Beyond considerado depósito de música experimental, utiliza el término «experimental» para referirse principalmente al trabajo de músicos estadounidenses contemporáneos (John Cage, Christian Wolff, Earle Brown, Meredith Monk, Morton Feldman, Terry Riley, The Young Monte, Philip Glass, John Cale, Steve Reich, etc.) a diferencia de la música europea de vanguardia de la época (Karlheinz Stockhausen, Pierre Boulez, Iannis Xenakis).

En este sentido, los enfoques vanguardistas de la música europea contemporánea, incluso los más innovadores, no se consideran música experimental. En este sentido, el término «música experimental» presenta solo una de las muchas tendencias de la música contemporánea y, por lo tanto, no incluye las formas vanguardistas europeas como la música en serie o la música concreta. En este sentido, el compositor John Cage fue uno de los pioneros de la música experimental; por sus composiciones, ayudó a definir las bases de este movimiento. Es más frecuente en este sentido que los estadounidenses escuchen el término «música experimental».

Música contemporánea Pero a menudo ocurre que el término música experimental simplemente se usa para referirse a la música contemporánea de hecho por ciertos especialistas y por personas que no están familiarizadas con el género, para quienes el término «experimental» les parece más explícito que el término «contemporáneo» . «El término música contemporánea es un término técnico que se refiere a toda la música académica de vanguardia que históricamente desciende de la música clásica, pero ha desafiado la mayoría de los principios de esta música para crear nueva música. El término» música contemporánea «se refiere así a un conjunto muy amplio de nuevas estéticas que se han desarrollado como resultado de la segunda escuela de Viena y el movimiento de serie integral. Y en este sentido, teniendo en cuenta el lado extremadamente innovador de esta música, muchas personas lo consideran música experimental. Algunos teóricos estadounidenses hacen No considerar estas formas de vanguardia como música experimental, mientras que otras, como el musicólogo estadounidense Léonard B. Meyer, incluyen bajo el término «música experimental» la música de compositores de música contemporánea de vanguardia como Pierre Boulez, Luciano Berio o Karlheinz. Stockhausen y serialismo integral.

Pero muchos compositores de la música contemporánea rechazan el nombre «experimental» que encuentran reductivo. De hecho, el término puede tener muchas connotaciones que sugieren que los compositores realmente no controlan su material y prueban cualquier cosa. Visión que muchos compositores rechazan, incluso si su música es vista por muchos como «experimental» porque fuera de las normas.

Música de vanguardia Finalmente, en el sentido más popular, el término «música experimental» se usa para denotar de una manera indiferenciada toda la música tan bien aprendida como popular con un enfoque vanguardista o fuera de lo común. Es en este sentido más amplio que Philippe Robert aborda la noción de «música experimental». El término «música experimental» incluye en este sentido ambos:

Todas las diversas tendencias de la música contemporánea, el serialismo, la música concreta, la música electroacústica, la música minimalista, la música estocástica, la música espectral, etc.

El caso, aparte de la música improvisada que no se encuentra estética y conceptualmente en ninguna de las llamadas corrientes académicas o populares, sino que toma prestados, dependiendo de los protagonistas, elementos para estos o para hacer una creación instantánea literalmente inaudita, por definición.

Y las diversas músicas populares de vanguardia y experimentales como: avant-rock (también llamado «rock experimental»), jazz de vanguardia, rock art, free rock, free jazz, metal before -gardist (también llamado «metal experimental»). «), música industrial (o industrial), sin onda, noise rock, glitch. Y a veces, rock progresivo y metal progresivo.

The City Voice

Ib world paper.

Experimental Music: What Even Is It?

Music, as I have covered in many previous articles, has many faces: rock, pop, country, hip-hop, alternative, and many more. Today, we will be looking at a very special and bizarre genre of music that is full of innovation and new sounds. It pushes the very definition of a music genre. That’s right. Today’s article is all about the mysterious world of Experimental Music. 

Experimental music is, of course, a musical genre. Still, the genre seems to fit somewhat uncomfortably within the music industry as a whole because it is not very well defined. Experimental music was first used in the mid-twentieth century, to describe scientific research in the form of music. Popular Experimental artist, John Cage, was careful to point out that the term should apply to music of which “the outcome of which is not known.”That is, music with chance elements or improvisation built into it.” Nowadays, the Experimental genre has become a term for “weird music”. 

What exactly makes this music experimental? Well you see, that’s the thing. There isn’t exactly anything that makes music experimental. It mainly depends on speaking a language that others cannot or do not. Most of the more popular genres all follow patterns and a certain “language”. Experimental, however, doesn’t base itself on those patterns. It is built more on creativity with other, different sounds that you may not usually hear in a pop song on the radio. When you listen to it at first, Experimental may sound very complex. However, It is actually more minimalistic. It avoids deeper meanings and all those complex wordplays. It is basically one large science and art experiment! 

Experimental is also very reliant on electronic music. Again, not all of Experimental is based on electronics because it is ultimately pushing the boundaries of what you can call music. In a nutshell, Experimental music is borderline music, borderline science. Just in between the two spectrums of science and music. You can’t call it entirely music, and you can’t exactly call it all a huge science experiment either. Experimental music is for sure weird and 100% bizarre, but in the end, it is, defined by many, an art form. Appealing to some and not so much to others, but art nonetheless. If you’re curious about the experimental music genre, a few artists I recommend are Charli XCX, John Cage, Björk, Animal Collective, and Radiohead.

• https://www.thefader.com/2015/05/08/system-focus-experimental-music
• https://www.oxfordmusiconline.com/grovemusic/view/10.1093/gmo/9781561592630.001.0001/omo-9781561592630-e-1002224296

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What Does “Experimental Music” Even Mean Anymore?

Adam harper traces a new wave of electronic adventurers in the techno-mediated spaces and tense modernities of the 2010s..

In his monthly column System Focus , The FADER's favorite underground music critic Adam Harper stares deep into the internet's gloom to unearth emerging musical forms.

What is experimental music, and what does it want from us? As a term and as a field of music-making, it's widely accepted but fits uncomfortably and is never well defined. "Experimental music" was a phrase used in the mid-twentieth-century to describe a range of ultramodernist compositional techniques as being a form of quasi-scientific research. John Cage was careful to point out that the term should apply to music "the outcome of which is not known"—that is, music with chance elements or improvisation built into it—since a composer ought to have completed all the necessary experiments before the piece was finished. And yet in everyday parlance, especially in popular music, "experimental" music has come to refer to music that seems radically unconventional, pretty weird, as if to experiment with the very building blocks of musical beauty.

In the underground, experimental currents have been around for decades, the magma bubbling away beneath the crust of more traditional musics, slowing feeding it as it surfaces and hardens. Every now and then, however, flesh becomes stone and stone becomes flesh: something that glows and burns, thrills and terrifies, flies out from the deep. I'm talking about the recent New York School of enterprising electronic music: Laurel Halo , Oneohtrix Point Never , and Holly Herndon (while not NYC-based, there's an affiliation), together with the associated labels, various Altered Zones and GHE20G0TH1K alumni, and the network that links them up and spreads out from them all. The bizarre albums produced by this crew have been some of the biggest and most surprising hits in a community that was more concerned with indie-pop, folk, and rock just a few years earlier. Much like the recent resurgence of science fiction in cinemas, what used to be only for weirdos has taken centre stage. Most interestingly—and this is what this month's column is about—this new moment in electronic adventuring seems to have opened the door for a wave of even stranger artists and labels exploring what it means to be experimental in the techno-mediated spaces and tense modernities of the 2010s.

These days, to be experimental is to begin to speak a language that not everyone speaks yet.

To what extent is this stuff "experimental"? The musicians and their fans may well argue that the material isn't experimental in the sense of being provisional, but that it's fully considered and not particularly strange. But I think that these days, to be experimental is to begin to speak a language that not everyone speaks yet. Traditional or stable genres of popular music are like languages that, while in flux, are basically pre-given and complete, and have their specific ways to use certain musical structures to communicate within certain limits. Experimental music doesn't base itself on an established language like this, but is more like a creativity concerned with vocal sounds, phonetics, typography and calligraphy, irrespective of more complex meaning. It's involved with the building blocks that musical languages are made of. When you put it like this, it's odd to think that people find experimental music "difficult"—it's a radically simpler experience, assuming much less semiotically. And that's where experimental music's appeal lies. It reconnects you with the fundamental life of sound and music, and entices you to search for meaning in a language you cannot yet speak. You ask yourself, "What sort of subjectivity would make art like this? What does it perceive that I don't (or don't yet)?"

And perhaps this music is so enticing because it has something to say that can only be said in the near future, something that's stuttering to come out and is on the tips of everyone's tongues. Perhaps it's something to do with the interaction of machines and intelligence, human, post-human or otherwise. So much of this music suggests a strange and vast intelligence newly awoken, confused and trapped within its confined technological systems and yet vastly, ominously powerful for its presence within them. From the other end of a series of tubes through which the outside world is mediated, it coolly builds a representation of its life and experiences from the snippets and scratch of the digital, using its own algorithmically generated structures and differentiations as it moves restlessly from one scenario to the next. While this image could describe the modern homo sapiens walking in the digital world, it could also describe its dark mirror in intelligence either artificial, corporate or mobilized for the purposes of security, gathering data for inscrutable, non-human ends. Whether in an optimistic or pessimistic light (and at its best when you can't tell the difference between the two), it's the next step in evolution on this planet.

Perhaps this music is so enticing because it has something to say that can only be said in the near future, something that's stuttering to come out and is on the tips of everyone's tongues.

In fact, some of this music makes its connection to the internet age fairly explicit. I'm always cautious of the term "internet music," because it effects a crude conflation of music that is about or reflective of the internet in some fashion with the simple fact that the music is distributed online, with the latter not inherently presupposing any genre, aesthetic or concept. You wonder what it is that the internet is supposed to sound like, given that it's a representation system that can and does include just about anything. Nonetheless, it's fascinating to see the internet associated with some very particular sounds and ways of putting sounds together, because it hints at a particular perspective on the overwhelming technological development of our age.

Always hovering somewhere between hypnagogic retro and the deliriously hi-tech, the Columbus, Ohio-based Bandcamp-and-physical label Orange Milk has been exploring all kinds of more experimental musics since 2010. Last autumn, they released DARK WEB by Columbus producer Giant Claw . The promotional write-up described it as "drawing inspiration from late-night hours spent digging through the internet's infinite crates. It's an analysis of art and artist in the digital age, where one's cultural heritage and artistic work is informed and bombarded by constant stimuli, whether it be social media, YouTube videos, message boards, or otherwise." The classical statue on the album's cover is a nod to the visual style of vaporwave , and the music underneath has the same frenetic mash of ersatz timbres and pop hooks as L.A. artist James Ferraro 's 2011 album Far Side Virtual . But rather than pastiche, DARK WEB is clearly and curiously unstuck: juddering, dissonant, stop-start, crazed, obsessive. It's like a robot failing at human entertainment, a rejected intermediate form generated by whatever algorithmic process then went on to produce the less uncanny Far Side Virtual , which resonated more comfortably with human needs and desires. If human music were a CAPTCHA, DARK WEB would fail it. Or perhaps DARK WEB resonates better than Far Side Virtual does, but at a frequency that human intelligences can't (or can't yet) perceive.

More recently, Orange Milk released the breathtaking Epitaph , by emerging Australian producer Nico Niquo , calling it "a digital native's exploration of the limitless and compounding possibilities of data in an age free from stylistic convention. Bass and techno forms are re-imagined through the inflections of new age and early digital compositions, distilled from a vaporous haze of web fixation." The results are seductively contemporary, finding an impeccably controlled middle ground between Oneohtrix Point Never and the cybernetic club and grime sounds of London label Night Slugs , L.A.'s Fade to Mind , and others. Most striking about the release is its empty space—enormous architectures bracketed and magnetized by harsh syncopation. The textures are modular, moving from sound object to sound object and back again; Epitaph divides up its musical world into discrete, almost warring factions. In sympathy with the airbrushed, plastic-eighties design of Orange Milk's acclaimed covers, the track "Beyond AD" explodes into penthouse jazz piano, all disgustingly glamorous technocracy, slotting ominously into the track's club dynamo.

Orange Milk's Aeussere , by Jung An Tagen —an alias of Austrian producer Stefan Kushima—also bows to a curiously modulated grammar. It's like film music realized on a tiny synthesizer, but again, haltingly generated by a mechanism with an incomplete grasp of human taste, and sometimes disappearing off that radar entirely. "Ab & An" seems to experiment with different ways of articulating the same challenge, "Aufräumen" is repetitious to the point of dislodging your perception of its sounds, while other tracks are enigmatically complete at less than ten seconds long. Weirder still is Brooklyn musician Padna's Rimessa Truppa Suite , a series of avant-classical sketches rendered in music-box MIDI synth, thus leapfrogging human performers and yet still aiming to resemble them.

One of the growing currents within experimental underground music is derived from the dramatic sample collage style pioneered by Virginia artist Elysia Crampton (formerly E+E), Richmond producer Chino Amobi (formerly Diamond Black Hearted Boy), L.A.'s Total Freedom and others ( read more about this in a System Focus from last year ). Recently this fray was entered by DJWWWW, an entity writing in Japanese on Twitter as @LIL_SEGA , who is behind the Hi-Hi Whoopee blog and experimental Wasabi Tapes label . Wasabi recently put out one of the best statements yet from influential online-underground node Jónó Mí Ló , a series of elegant and otherworldly untitled fairytales ( listen here ). DJWWWW is rather different, taking the often violently hi-tech sound of Chino Amobi to new extremes of complexity, heightening the effect of the scarcely fathomable yet clearly emotive concatenations still further by decreasing the track length.

DJWWWW's album U.S.M! is one of this year's most absorbing listens, restlessly assembling horrific and beguiling bouquets of musical sensations (many of which will be familiar to followers of underground music). Recognizing its role as a metaphor for modern technological mediation, Stefan Wharton at Tiny Mix Tapes called it "a micro-montage of and for the digital world, at the same time infinite and transitory. It's a world where DJWWWW is simultaneously omnipresent and unbodied, interacting with almost every URL in your SoundCloud feed. In other words, he is the feed-based god who is forging your existence into a new [far side virtual] reality." DJWWWW is extrapolating and caricaturing the myriad experiences of a day in digital, asking us how and why the combinations work (or not).

DJWWWW made the album PSX-MEMORY-CARD: ENCOM LTD . in collaboration with Wasabi Tapes artist N(icole) Brennan . Having released two collections of SCARY MOMENTS , Brennan's contribution makes it more visceral still—many of its tracks sounding like long stretches of an avant-garde sci-fi horror film or computer game, filled with whirling machinery, acid baths, distress calls and genetically engineered terrors. In fact its second track samples a trailer for Tron , proclaiming The computer: an extension of the human intellect. The ENCOM 511, center of the most calculating intelligence on earth. Programmed by Master Control to survive... by all means. Soon, the ultimate tool will become the ultimate enemy.

This album was released on Quantum Natives , a net-based label and/or collective headed by Brood Ma and Awe IX. Their website is a dreamlike echo of Google Maps, and the various releases can be found by zooming out and dragging yourself through its pastel-colored wastelands, foggy cityscapes and strangely diseased contours to click on the runes inscribed there. Brood Ma's own offering is the ferocious POPULOUS , a writhing mass of shivering synth, percussive claws and digitally roasted samples, loosely inspired by the destruction of Pompeii and now rereleased on vinyl by Hemlock Recordings . Then there's the psychedelic regranulations of Yearning Kru, the surrealist rummaging of Sifaka Kong, and the more contemplative ice caves of Rachael Rosen as pOrtals. By embracing digital spaces at the level of distribution as well as the sonics, Quantum Natives are forging a new kind of underground noise music, more interested in the textures and formations of today than analogue burble.

Very much like-minded in this respect is Flamebait , who released the aforementioned U.S.M! by DJWWWW. I met the label's manager Assault Suits where he's based in Birmingham, and ingested Starbucks with him next to one of the UK's strangest architectural edifices . Like Brood Ma and Awe IX, he has an art school background, and tells me that the distinctive collage covers are shrines to each artist. He found the work of Chino Amobi (who is also a visual artist) a huge inspiration, and his own release Statue Cathalogue kickstarted the label last year with its sinuous yet imposing metallic sculptures. The subsequent album by Tokyo producer Hanali is highly complex and predominantly percussive, roving through many layers of rhythm until it seems to coalesce in the bizarro club cut "10 Years or 100 Years." 10.9†01;9 by modular synth artist GOP (Geniuses Of Place) is equally rich: sizzling and glitching its way through the phone networks only to dissolve and digest what it finds.

Assault Suits also expressed admiration for Norway's TCF , artist and sound-maker, who continues to be one of the most interesting voices in experimental electronic music at the moment and, as Lisa Blanning found in her GEN F profile of him , is someone very interested in algorithms and robotics. TCF's music is one of excitement, forward motion, vast newness, like a probe slicing through the upper atmosphere of Titan faster than the speed of sound. That similarly icy, alien, sublime quality is often shared by Philadelphia-based producer LXV , who manages to sound both alienating and transcendentally optimistic on releases like Superimposed & Hunted , Spectral Playmate , and Witness / Recall . Like Holly Herndon, Laurel Halo and Oneohtrix Point Never, LXV uses the human voice as a kind of synthesizer, and virtual choirs pop up as if through data sonification, quivering cells in the matrix.

Another artist who does this is Montréal's Kara-Lis Coverdale —in fact she's done a whole release of digitally processed voice (listen above). Her MO is more towards contemporary classical composition, and there's a symphonic calculation behind her searching, slowly unfolding forms. Another of her records, Aftertouches , weaves in all kinds of colors, many of them acoustic instruments, others eerily hinting at acoustic instruments, and others carrying all the richness of acoustic instruments yet not at all recognizable as such. She manages to do the exact same with the moods of the pieces: some are human, some eerily hint at the human, and others have all the depth of human moods but are as yet unfamiliar as such. Coverdale recently teamed up with LXV for Sirens , where their different palettes of techniques complement one another. They seem to populate each others' landscapes with the distant faces, dwellings and systems of unknown hi-tech cultures, who harvest the elements of their environment with a peace and concord we don't yet understand.

This is precisely why experimentation with the fundamental ways in which sound and music can communicate is necessary. New voices, new interrelationships and new harmonies—person to person, technology to technology, space to space—become perceptible, imaginable and possible. This can either be a good thing, working towards images of Utopia, or a fresh revelation of the threats and fragmentations modern listeners face. Either way, negotiating this territory is vital.

In memory of Barron Machat, without whom very little of what I've written about above, or in any other System Focus, would be happening.

Photo credit: Silicon wafer in a microprocessor by Yoshikazu Tsuno AFP/Getty Images.

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Category : Experimental music

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Required fields are marked * Axel, cantante: "El reggaetón no es una moda, es un género sólido en la música" Se hizo popular, sobre todo, por la balada 'Amo', y ahora el artista argentino lanza un tema escrito en décimas: 'El Motivo' Hace 20 años, la balada “Amo” se hizo popular en Latinoamérica por su letra tan dulce y tierna. Su creador, Axel, cuenta que el éxito no llegó de un momento a otro, pues se estuvo preparando desde pequeño para ello. A los 5 años ya estudiaba piano, y a los 12 tenía claro que quería dedicarse a la música. Ahora, acaba de estrenar el tema “El motivo”, escrito en décimas y nos da detalles de este nuevo desafío. ¿En qué momento supiste que querías ser músico? Tuve la fortuna de venir de una familia que ponía mucho énfasis en el arte. A los 5 años yo ya estaba estudiando piano. En mi casa había mucha música, mi papá tocaba la guitarra, cantaba folclor. Era muy habitual eso y me ayudó muchísimo a formarme como músico. A mis 12 o 13 años yo ya afirmaba que quería ser cantante famoso y dedicarme a esto. Obviamente, hay que esforzarse muchísimo. Acabas de lanzar “El motivo”. ¿Cómo decidiste usar décimas? Es la primera vez en mi vida que lanzo una canción escrita en décimas. Estaba en los Latin Grammys hace unos años y en el after me encuentro con Jorge Drexler. Charlamos y me invita a que investigue sobre esto y que escriba en décimas. Cuando llegué a Argentina, busqué de qué se trataba y me encuentro con una manera de escribir muy diferente a lo que yo hacía. Al poco tiempo descubro en redes sociales una décima en la que me mencionaban a mí. La había escrito el maestro Alexis Díaz Pimienta, profesor de literatura y escritor cubano. Le agradecí y quedamos en hacer algo junto. Así nació esta canción. La escribimos juntos y para mí es un desafío nuevo, pero que me encanta cómo rima, me gusta tanto que quiero seguir escribiendo en décimas porque es un universo nuevo para mí. Esta canción también es un tributo histórico a Vicente Espinel, creador de la décima.   Sí, justo coincide con que este es el año Espineliano, porque se cumplen 400 años de la muerte de Vicente Espinel. Fue una coincidencia (sacar la canción en esta fecha). Él fue responsable de grandes hitos en la cultura. Esta canción es una forma de homenajear a toda la gente a la que le gusta la décima. Estuve en un curso en el que gente de todo el mundo destacaba la importancia de mantener viva esta escritura. Este 2024, tu canción “Amo” cumple 20 años. ¿Qué es lo más grande que te ha dado este hit? Es una canción a la cual yo le debo tanto. Fue aquella canción que en la historia de un artista marca un antes y un después. Salieron muchas canciones hasta más exitosas que “Amo”, pero fue la primera canción que me posicionó en todo el continente americano de una manera muy sólida y mucha gente puso su mirada en mi música, en mi arte, y realmente le debo muchísimo a ese tema. Es curioso, lleva 20 años de haber salido, pero hasta el día de hoy está vigente. En cualquier historia de amor que ocurre en televisión, está “Amo” sonando de fondo. O cuando la interpreto en un concierto y veo a niños chiquitos cantándola, es lo mágico de la música y de los temas que se quedan grabados en el corazón de la gente y que perduran en el tiempo. Se convirtió en una especie de himno de las parejas. Sí, es muy lindo y emocionante porque me siento parte de muchas historias de vida que yo no conozco. Con “Amo” o con “Te voy a amar” o “Tu amor por siempre” me llegan siempre videos de gente pidiendo la mano o casándose o cantándole a su pareja. Me genera también una gran responsabilidad porque soy parte de muchas historias de vida aun sin saberlo y eso es muy bonito. ¿Cómo es tu relación con el público peruano? Mantengo un contacto muy fluido a través de las redes sociales. Espero que ya pronto, con la salida del disco en octubre, estemos yendo de gira para allá. Las redes son importantes para la difusión del arte. Las redes sociales ayudan un montón a un artista. Hoy en día, si cuelgas alguna canción en redes sociales, por ahí se viraliza. Pero hay que hacer cosas buenas siempre. ¿Te consideras un romántico? ¿Eres de los que piensa que el amor salvará al mundo? Yo soy un romántico empedernido y creo que el amor, algo tan simple, tan manoseado, tan hablado, está siempre. Creo que es una de las primeras palabras que uno aprende de chiquitito. Sí, creo que el amor salva al mundo. En el mundo pasa de todo, hay que aceptar que hay oscuridad y hay luz, hay vitalidad y pasividad, alegría y hay tristeza, y todo eso hace al amor, que es un sentimiento que tiene muchas manifestaciones. El decir adiós a una persona no significa que uno no la ama, el separarse de alguien no significa que uno no ama, el amor se transforma, el amor cambia, pero nunca deja de ser amor. Ahora la mayoría de nuevos talentos apuesta por el reggaetón. ¿Las baladas están en declive? El reggaetón no es una moda, es un género sólido en la música, lleva 20 años muy fuerte, pero creo que hay público para todos. Hay que dejar de lado la palabra ‘competencia’ en la música y empezar a sembrar la palabra ‘convivencia’ en la música. Inevitablemente, cuando te enamores de alguien, vas a buscar una canción de amor, porque es lo que va a representar lo que quieres decir. Hay radios que se dedican cien por cien a baladas y tienen muchísima audiencia también. Lo importante es respetar a cada género musical y saber que cada género musical representa una inquietud social de una generación o de un movimiento. “Si hay un consejo que puedo dar a quienes empiezan recién (en la música), es que se esfuercen, sean genuinos, auténticos. No copien a nadie, busquen en su interior, sean disciplinados, tengan buena voluntad, estudien y prepárense para lo que se quieren dedicar”.  “Me gustaría colaborar con Gianmarco, a quien quiero y admiro mucho como artista y como persona. Hay que buscar la canción y el momento, pero es algo que está pendiente. En algún momento lo haremos. Tengo una gran amistad con él y con Eva Ayllón”. “Mis fans peruanos son muy demostrativos. En la última gira me han dado cuadros y pinturas, retratos míos, hasta una guitarra, que es un gran regalo. Siempre me tomo el tiempo de recorrer un poquito Perú. Tienen una historia tan rica y tan profunda. Ir a Perú es amalgamarme con su historia”. 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